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La Coctelera

2da VISITA POR HAITI

 

MUSICA

 

La música de Haití es influida sobre todo por los lazos europeos coloniales y la migración africana (por la esclavitud). En el caso de la colonización europea, la influencia musical ha venido principalmente de Francia, sin embargo la música haitiana tiene una influencia significativa española, por sus vecinos República Dominicana y Cuba, cuya música en español ha contribuido a crear otros géneros musicales en Haití.

Compás (en francés) y Kompas (en el criollo haitiano) es una compleja música, proveniente de ritmos africanos y el baile de salón europeo, surtida con la cultura burguesa del Haití. Haití no tenía ninguna música registrada hasta 1937, cuando el Jazz Guignard fue registrado sin ánimo de lucro. Uno de los artistas haitianos más populares es Wyclef Jean, de estilo hip hop.

 

 

Nelust Wyclef Jean

(Croix-des-Bouquets, Haití; 17 de octubre de 1971) es un rapero, actor y productor haitiano-estadounidense conocido por ser miembro del exitoso trío de hip hop The Fugees.

 

A los nueve años fue cuando él comenzó a tocar la guitarra y a estudiar en un instituto exclusivo para gente de raza negra. En 1987, Jean, su amigo Prakazrel Michel (Pras) y su compañera de clase Lauryn Hill, formaron un grupo llamado Tranzlator Crew, antes de hacerlo como The Fugees. En ese entonces Wyclef trabajaba como taxista.

The Fugees firmó por Ruffhouse Records y grabaron su álbum debut, Blunted on Reality, que no tuvo demasiado éxito. En cambio, su siguiente disco, The Score, vendería 17 millones de copias en todo el mundo y lanzaría al estrellato a este trío de talentosos artistas. Tras el rotundo éxito, Jean daría comienzo a su carrera en solitario en 1997 con Wyclef Jean Presents the Carnival Featuring the Refugee All-Stars(también llamado simplemente The Carnival). Las colaboraciones del álbum incluían a Pras y Lauryn Hill, además de los hermanos de Wyclef, I Threes, Neville Brothers y Celia Cruz. Los singles de mayor reconocimiento fueron "We Trying to Stay Alive" (adaptado de la canción de The Bee Gees "Stayin' Alive") y "Gone Til November" (grabado con New York Philharmonic Orchestra).

Jean ha trabajado con artistas como Santana, Eric Clapton, Stevie Wonder, Celia Cruz, Tevin Campbell, Stephen Marley, Cypress Hill,Bounty Killer, Whitney Houston, Destiny's Child, Sublime, Simply Red, Mya, Sinéad O'Connor, Flo Rida, Kimberly Scott, Queen, Mick Jagger, Canibus, The Black Eyed Peas, Eric Benét,Serj Tankian, Tarkan, Shakira y el grupo Aventura.

El tercer álbum de Wyclef fue Masquerade, de 2002, obteniendo un éxito considerable. Su cuarto álbum fue The Preacher's Son, el que Jean considera una cotinuación de su primer álbum, The Carnival.

En 2003, Wyclef produjo el primer single del rapero chino Jin, titulado Learn Chinese, y en 2004 grabó el tema "Dance Like This" junto aClaudette Ortiz para la banda sonora de la película Dirty Dancing: Havana Nights.

Admiral T con Wyclef Jean en diciembre 2006.

En 2004, publicó su quinto álbum, titulado Sak Pasé Presents: Creole 101 (Welcome to Haiti) (editado en Estados Unidos por Koch Records). Un trabajo donde retorna a sus orígenes caribeños, tanto, que muchos de sus temas están cantados en criollo-haitiano como la cancion "Fanm Kreyol" con Admiral T. "Fortunate Son" fue incluida en la banda sonora de The Manchurian Candidate. Jean también ha producido y compuesto para la OST de "The Agronomist", documental de Jonathan Demme, que relata las historias del legendario periodista Jean Dominique Maraldi, un activo hombre de su Haití natal. Siguiendo la tónica, también se aventuró a componer los temas para otro documental, "Ghosts Of Cite Soleil", en el que aparece Wyclef y un joven líder de una banda haitiana, y donde el rapero le suplica que deje ese estilo de vida y procure seguir sus pasos en la música.

En 2005, su tema "Million Voices" de la banda sonora de la película Hotel Rwanda fue nominada para los Globos de Oro.

Jean ha estado muy activo a la hora de apoyar a su país natal y ha creado su propia fundación, Yéle Haiti, para proporcionar ayuda humanitaria y asistencia a Haití, que actualmente es el país más pobre del Hemisferio Occidental. Yelé es una organización apolítica con la intención de reconstruir el país.

En el 2006, participó con Shakira en el single "Hips Don't Lie" en idiomas inglés y español. En 2007 colabora con el italiano Eros Ramazzotti en la reedición de la canción "La Aurora" perteneciente al álbum "E2".

En su última producción colabora con Melissa Jiménez en una canción de homenaje a la Reina del Tex Mex Selena.

En 2009 grabó Spanish Fly junto a Ludacris y Aventura para el disco de Aventura titulado The Last.

 

 

ZOUK

Es un estilo de música rítmica originado en las antillas francesas, especialmente en las islas de Guadalupe y Martinica. Tiene sus raíces en la kompa haitiana y la palabra zouk significa "fiesta" o "festival" en creole. El zouk es muy popular en países franco y lusoparlantes, incluyendo sus propios estilos de zouk, como en Cabo Verde. En Europa es muy popular en Francia, así como en Estados Unidos y Canadá, en especial en la provincia de Quebec.

Pero es el grupo Kassav quien verdaderamente va a lanzar este nuevo género musical de las Indias Occidentales, que reemplazará poco a poco a la "Kadans", representada principalmente por Simon Jurad (Opéracion 78), La Perfecta, Les Aiglons, Les Vinkings, etc. La historia del grupo Kassav comienza en 1981, cuando Pierre-Édouard Décimus, músico en una orquesta de baile (Vickings de Guadalupe), desde los años 60 decide con Freddy Marshall, otro músico antillano, renovar y modernizar la música que siempre tocaron. Muy atado a la música popular de Carnaval, Décimus procura adaptarlo a las técnicas musicales modernas. Ambos hombres reclutan también a Jacob Desvarieux, guitarrista de estudio consagrado y Jorge Décimus (el hermano del primero), violoncelista, así como otros músicos de Cabaret. El grupo se forma progresivamente. Esta primera formación del grupo entra en estudio en noviembre y al principio del año siguiente aparece el primer álbum de Kassav, titulado "Love And Ka Dance". Un nuevo género musical nació: Zouk. La aparición de nuevos sonidos, sobre todo al nivel de bajos, Teclados Y cuernos da a esta música un aire de modernidad y sobre todo de fiesta, una música viva y bailable, en suma. Kassav comienza allí a escribir la historia del zouk. Seguirá el grupo Zouk Machine que registra en 1989, el fenomenal 'Maldon', canción que se convirtió en el mayor éxito de este estilo de todos los tiempos con más de un millón de singles vendidos y Nº1 en ventas de singles en Francia durante 9 semanas. Compuesto por Jane Fostin, Christiane Obydol Y Dominique Zorobabel, Zouk Machine se posicionará con muchos éxitos y hasta el día de hoy seguirá siendo una influencia para el Zouk.

 

 

Se danza en parejas, pegados apretados, el hombre toma a la mujer por la cintura y la mujer enlaza un brazo alrededor del cuello de su compañero.

Tiene su origen en el kompa de Haití, el ritmo beguine o el carnaval de las Antillas Francesas (Martinica y Guadalupe) y Guayana Francesa, la "mas a Sinjan" (máscara de San Juan), con los sintetizadores de funk, las guitarras de rock y Soukouss, el bronce instrumental de la salsa ...

Más tarde estos mismos componentes formarían una rama del zouk: Zouk Love, más lento.

 

 

VUDÚ

 

El vudú es una religión que se originó a partir de las creencias que poseían los pueblos que fueron trasladados como esclavos desde el África Occidental, del contacto de estas creencias con la religión católica propia de los esclavistas y es posible que esté influenciado parcialmente por supervivencias del politeísmo céltico.1 Se trata de una variante teísta de un sistema animista, provisto de un fuerte componente mágico. Por su vinculación directa con la cosmología y los sistemas de creencias neolíticos, su estudio resulta de gran interés en el campo de la paleoantropología. El vudú se cuenta entre las religiones más antiguas del mundo, entre el politeísmo y el monoteísmo.

El tráfico de esclavos hacia América produjo un fuerte fenómeno de sincretismo entre esta compleja y bien esquematizada religión y las creenciascristianas de los esclavistas, así como con las religiones nativas de los lugares adonde se transportó a los esclavos. De aquí surgiría el vudúhaitiano y un gran número de derivativos: la Regla de Ocha o Santería en Cuba, la Santería en República Dominicana, el Candomblé, la Umbanda yKimbanda en Brasil, así como las manifestaciones africanistas en Puerto Rico y los demás países del área del Caribe, etcétera. Algunos de estos derivativos han llegado a Europa en décadas recientes, sobre todo de la mano de emigrantes retornados.

 

 

Es un nítido ejemplo de evolución sincrética entre esta religiosidad teísta-animista, las creencias cristianas de los esclavistas y religiones locales de pueblos como los Taínos, que se inició cuando muchos africanos del Golfo de Guinea fueron utilizados como esclavos en Haití y otros lugares delCaribe. El vudú también se encuentra muy extendido en regiones tradicionalmente esclavistas de Estados Unidos hasta la abolición, especialmente en Nueva Orléans. En Haití es notable la utilización como religión oficial que se hizo del vudú por parte del gobierno de los Duvalier para reforzar el poder de su gobierno, dada la popularidad de esta creencia e incluso su importancia en la historia del país, en tanto que se suele considerar como uno de los antecedentes de la Revolución Haitiana una ceremonia del sacerdote vudú Boukman llevada a cabo el 14 de agosto de 1791 en Bois-Cayman.

En sus principios careció de un clero y de ritos regulares establecidos (liturgia), debido a que fue una religión perseguida por sus propietarios esclavistas, que los obligaban a convertirse al cristianismo.

Del vudú americano se derivan otras religiones como la santería, muy extendida en Cuba de naturaleza aún más mistificada por las corrientes cristianas, o la Umbanda en Argentina o Brasil. La santería —una de las máximas expresiones sincréticas del mundo— usa símbolos y santoscristianos, que dan imagen y representan loas y ritos anteriores, similares a los del vudú. Lo mismo sucede en la República Dominicana donde la Santería toma las figuras del cristianismo para representar sus loas.

El vudú ha sido un fuerte referente para la cultura popular, debido a la atribuida capacidad de los bokor para resucitar a los muertos y hacerlos trabajar en su provecho (zombies), así como la de provocar la muerte a voluntad. De igual interés popular han resultado otros elementos folclóricoscomo las muñecas vudú. Existe una amplia literatura y filmografía al respecto, que tiende a deformar y demonizar lo que hoy por hoy es la religión de más de 40 millones de personas en todo el mundo.

 

 

 

 

http://www.youtube.com/watch?v=Zvpotvirwrs

VIAJE POR HAITI


HISTORIA                                                   Bandera de Haití

Haití, oficialmente República de Haití, es un país de las Antillas, situado en la parte occidental de la isla La Española y que limita al norte con el océano Atlántico, al sur y oeste con el Mar Caribe o de las Antillas, y al este con la República Dominicana. Su territorio comprende igualmente la isla de la Gonâve, la isla de la Tortuga, el archipiélago de las islas Cayemites y la isla de Vaches así como otros diversos islotes de sus aguas territoriales. La inhabitada isla de La Navasse (en español isla Navaza) es reclamada por Haití ante la administración de los Estados Unidos. La superficie total de Haití se extiende en 27.750 km², albergando una población de 10.033.000 habitantes (2009). Su capital y ciudad principal es Puerto Príncipe, gravemente dañada por un terremoto el 12 de enero de 2010.

Haití está constituido en forma de república semipresidencialista según la Constitución aprobada en 1987, pero cuya vigencia quedó suspendida desde entonces en varias ocasiones por la violencia política, particularmente tras el golpe de estado militar de 1991 y la crisis de 2004 que forzó la intervención de Naciones Unidas mediante el destacamento de la Misión de Estabilización de las Naciones Unidas en Haití. Tras un proceso electoral tutelado por la comunidad internacional en 2006, el Jefe del Estado, elegido por sufragio universal, es René Préval mientras que la Asamblea Nacional de Haití designó en 2009 a Jean-Max Bellerive como primer ministro.

Haití proclamó su independencia el 1 de enero de 1804, siendo el segundo país del continente americano, y primero de América Latina en acceder a ella tras un singular proceso revolucionario de carácter abolicionista iniciado en 1791 que desembocó en una prolongada lucha armada contra Francia, la potencia colonizadora desde finales del siglo XVII. Este proceso convirtió a Haití, cuya base étnica poblacional tiene en un 95% su origen en habitantes del África subsahariana, en escenario del primer caso en la Historia Universal por el que la rebelión de la población sometida al sistema de esclavitud condujo a su emancipación y a la abolición de esta forma de explotación de forma autónoma y perdurable en el tiempo, sentando un precedente definitivo para la supresión del comercio transatlántico de personas. Este episodio es específicamente recordado por Naciones Unidas mediante la Resolución 29/C40 para la constitución del Día internacional del recuerdo de la trata negra y de su abolición celebrado cada 23 de agosto, y la institución de la medalla Toussaint Louverture, en homenaje a uno de los líderes políticos haitianos.

El 5 de diciembre de 1492 Cristóbal Colón arriba a La Española, parte de las que serán llamadas Antillas Mayores, y la isla pasa a formar parte del Imperio español. Antes de la llegada de los españoles, estaba habitada por las etnias arawak, caribes y taínos; su población estimada entonces era de unos 300.000 habitantes.

A comienzos del siglo XVII, debido al auge que había adquirido el comercio informal de los colonos criollos de la isla y que iba en contra del monopolio que pretendía la metrópoli, el gobernador español Antonio de Osorio ordenó entre 1605 y 1606 la despoblación de las bandas septentrional y occidental de la isla con el fin de frenar esa práctica. Con el tiempo, en las zonas despobladas de la parte oeste se fueron asentando los bucaneros, hombres que vivían de la caza de reses y cerdos cimarrones, el comercio de pieles y el cultivo de tabaco, así como los filibusteros, ambos de origen francés. Primeramente ocuparon la Isla de la Tortuga y más tarde estos poblamientos determinaron que la parte occidental de la isla fuera reclamada por Francia. En 1697, España cedió a Francia esa parte de la isla por el Tratado de Ryswick, constituyéndose el Saint Domingue francés.

A mediados del siglo XVIII, el Haití colonial, ocupado por Francia bajo un férreo y cruel sistema esclavista, contaba con una población de 300.000 esclavos y apenas 12.000 personas libres, blancos y mulatos principalmente.

El 14 de agosto de 1769 se habría producido en Bois-Cayman una ceremonia del sacerdote vudú Boukman, que es considerada como el punto de partida de la Revolución Haitiana. El largo proceso emancipador tiene por protagonista a François Dominique Toussaint-Louverture, quien entre 1793 y 1802 dirige la revolución haitiana con sagacidad, enfrentando a españoles, ingleses y franceses, hasta su captura, destierro y muerte en Francia.

Interior de la Ciudadela Laferrière construida bajo el gobierno de Henri Christophe(autoproclamado Enrique I de Haití)

En enero de 1988 ascendió a la Presidencia Leslie François Manigat, pero fue depuesto en julio del mismo año por Namphy, a quien derrocó Prosper Avril. Tras una presidencia provisional de Ertha Pascal Trouillot, depuesta por un golpe de Estado, Jean-Bertrand Aristidefue presidente electo a partir de febrero de 1991, siendo también depuesto, tras una grave crisis interna en el año 2004, que incluyó violentos episodios, que culminaron con la ocupación de Haití por parte de los "Cascos Azules" de la ONU. En el 2006, René Préval es elegido presidente del país. El 12 de enero de 2010 tuvo lugar un terremoto de magnitud de 7,0.

PINTURA HAITIANA: LA TRADICIÓN NAÏF

 

La transformación cultural manifiesta en la pintura naïf haitiana, nos ayuda, mediante un ejemplo de nuestro tiempo, a comprender un proceso de desmitificación que se ha operado en el marco más amplio de la historia universal durante periodos mucho más largos. Por esta razón, si no por otras, el arte naïf de Haití ocupa un lugar muy especial en la historia del arte.

Gallo en medio del sol. Brirre Murat.

La República de Haití comparte con la República Dominicana una isla del Caribe, la segunda en tamaño. Tiene una población de cinco millones de habitantes, de los cuales el noventa por ciento son campesinos analfabetos de origen africano y el diez por ciento mulatos, que componen la parte principal de la elite de habla francesa. . .

Los habitantes aborígenes de la isla eran tribus pacíficas de indios arravacas. Degradados a la condición de esclavos y reducidos por el duro trabajo bajo el dominio de los españoles, la población india fue sustituida por esclavos negros importados del Golfo de Guinea, sobre todo de Nigeria y Dahomey. En 1697 la isla fue cedida a Francia y en el siglo XVIII se volvió su colonia más próspera, debido al cultivo de la caña de azúcar.

Por lo general se describe a la cultura haitiana como una mezcla de tradiciones francesas y africanas. Esto es cierto, con tal que no se suponga que haya habido una amalgama total y coherente de las dos. A pesar de una impregnación con elementos culturales europeos de muy diversa índole citemos como ejemplos el lenguaje criollo y la mutua fecundación de catolicismo y vudú las masas de los campesinos negros han conservado una clara conciencia de su origen africano. Las danzas y la música son su herencia artística en línea directa. Los ritmos africanos han permanecido intactos. La clase elite de los mulatos opina que su tradición es francesa, pero aun entre ellos la herencia africana sobrevive en forma reprimida, más como un temple de ánimo y una mentalidad que una manera de vivir. En esta clase superior de la población los campos de creación artística son la literatura y la alta cocina.

Lo que se designa como «Arte naïf haitiano» es un resultado palpable de esta transición del arte folklórico y simbólico a las visiones formales de pintores de personalidad individual. Sin embargo, designar este arte como naïf, no expresa adecuadamente su esencia.

En el sentido que se le da en Occidente, el arte naïf es una aventura personal, individual, muchas veces emprendida como reacción al anonimato y el aislamiento del hombre en una etapa altamente tecnológica de la existencia humana, sea en Francia o en Nueva York; la reacción a una sociedad extremadamente individual izada y a una conciencia fragmentada. En muchos aspectos es una visión de los orígenes perdidos, imágenes que reflejan reminiscencias de una raza colectiva o de una cultura popular ya no existente. En cambio, los pintores agrupados alrededor del Centro de Arte de Haití no pudieron reaccionar contra un estado «avanzado» de la existencia mediante u n acercamiento a la fuente de la identidad colectiva o recordando una visión popular perdida. Al contrario se alejaron de la conciencia indiferenciada de la vida colectiva, tratando de acercarse a una pintura de tipo individual que los identificara.

Sobre todo sería un grave error considerar la pintura naïf de Haití como arte popular. El arte popular, asociado generalmente con las artesanías, expresa una mente colectiva con un mínimo de individualidad estilística. Su calidad es ser esperado y comprendido por todos. Tiene un marcado carácter de juego y de cosa efímera, aunque en sus expresiones más altas, siempre insinúa lo primordial y roza los niveles del mito universal. En Haití, por ejemplo, el arte popular aparece en forma de las máscaras carnavalescas poderosamente expresivas, confeccionadas de papiermaché, que después del uso se tiran; o bien se puede encontrar en juguetes fantásticos, en papalotes y en las decoraciones de las casas, todo ello expresión anónima de las masas haitianas. El arte naïf, en cambio, es, sobre todo, una expresión personal. Puede surgir de la conciencia del pueblo o volver a ella. Donde más claramente se revela su carácter individual es en 14 pinturas de caballete.

Aunque los pintores agrupados en torno al Centro de Arte buscaron y lograron estilos individuales, sus pinturas, así como también su desarrollo como pintores, comparten ciertos rasgos comunes. La religión vudú es para ellos una fuente primordial y predilecta de inspiración. Hay en esto una sorprendente paradoja iconográfica, puesto que, como ya lo dijimos, esta religión no se apoya en imágenes, ni estimula de ninguna manera la creación de estas.

 

Adán y Eva. Paul Damien.

 

una concepción especial del mundo. Expresan una creencia fundamental en la unidad de la realidad visible y la invisible. Como ya lo dijimos, las imágenes y el simbolismo de ambas formas de realidad están integradas en una singular estructura visual y los haitianos son capaces de captar esta unidad intuitivamente, puesto que no tienen necesidad de analizar las imágenes y su simbolismo para entender su sentido. Cuando artistas como Hyppolite, Gourgue y Sto. Brice trabajan inspirados directamente por el subconsciente y crean imágenes relacionadas con la psique humana, lo que expresan no es sino otra versión de la visión unitaria en que se funden lo invisible (lo inconsciente) y lo visible. . . La interdependencia de elementos en la pintura naïf haitiana no se limita a lo físico, sino se extiende asimismo al mundo cultural y espiritual. La religión vudú, la iconografía católica, la mitología europea, eventos históricos y experiencias psíquicas: todo ello parece coexistir en un plan de cambio e intercambio.

Préfete Duffaut desarrolló una técnica seca, falta de sensibilidad, insuficiente para expresar una rica imaginación. Robert Sto. Brice, con su superproducción de cuadros cayó en una mera manipulación de un restringido repertorio de imágenes. Otros artistas sufrieron una crisis de identidad o abandonaron la pintura, como Cayemitte, o tuvieron, como Bigaud, graves colapsos nerviosos, con repercusiones desfavorables en la calidad de su obra. Otros más trataron sin mucho éxito de pasar del arte naïf al arte moderno. Después de año y medio de muy buena pintura, Louverture Poisson recurrió a las recetas, de la pintura occidental, y lo que había sido una calidad surrealista natural y expresiva se volvió un cliché del surrealismo europeo.

Deudonné Cédor, uno de los mejores pintores primitivos haitianos, abandonó su visión naïf, por considerarla retrógrada y desarrolló un estilo «moderno», que es poco más que un arte figurativo de tipo convencional y comercial. Wilson Bigaud, que parecía el mejor dotado para lograr esa transición, hizo un único intento en esta dirección solo para volver a su visión naïf. La economía contribuyó también a la deteriorización del arte primitivo. El Centro de Arte estimuló el arte como actividad comercial. Aquellos que originalmente habían pintado para expresarse y que habían vivido de un oficio, súbitamente se ganaron la vida con su arte. Mientras que por una parte esta condición económica les permitía desarrollarse plenamente como artistas, parece que al fin fue minando sus motivaciones y su expresión naïf verdadera y original.

Pero más importante es, como lo hemos manifestado desde un principio, que la obra de los pintores naïf refleja la transición psíquica de una visión colectiva unitaria y no diferenciada a una visión personal, transición que provocó en estos artistas una ruptura en su interior, a la que la mayor parte de ellos no pudo sobreponerse artística y sicológicamente. En muchos casos tiene uno la impresión de que son artistas resignados a cultivar la expresión naïf, con la que siguen trabajando. Parecen cogidos en la trampa de una fase de la evolución en la que ya no tienen la fuerza sicológica de llevarla individualmente más adelante y alcanzar con ella una visión y comprensión artística más amplia. Al principio la transferencia de la primordial energía comunal a las pinturas individualizadas, hecho cultural del Occidente, produjo una visión poderosa y convincente. Pero a medida que esta fuerza fue reduciéndose a un mero tema pictórico, y además al estilo de un pintor individual, el anterior contacto intuitivo de este con las fuentes míticas de la inspiración poco a poco disminuyó. A menudo le quedaban, en el mejor de los casos, valores decorativos y un estilo de narración pictórica.


Adán y Eva. Micano Ulysse.

 


ARTE DE CULTO

El vudú y la plástica haitiana contemporánea

arte vudu

 

En el París de los años 20 y 30 se abrieron algunos vasos comunicantes, inéditos hasta entonces, entre el arte y la ciencia etnográfica debido a los intereses más variados: desde la docencia y amistad que Métraux prodigara a Bataille, hasta la fascinación que lo misterioso ejercía sobre los surrealistas; desde el descubrimiento del arte primitivo africano, especialmente por parte de Picasso, que mostraba el camino de resolución de algunos de interrogantes planteados por el cubismo, hasta la necesidad de la modernidad europea de abrevar, para mantenerse, en fuentes no europeas (14).

Si bien el paso de André Bretón por Haití (1944) es anterior a los estudios de Métraux sobre el vudú, no hay duda de que ese clima parisino, que algunos como James Clifford han llamado surrealismo etnográfico, sumado a su propia megalomanía que le imponía ser un “descubridor” de arte exótico como Picasso, seguramente lo predispusieron positivamente respecto del arte que allí encontró.

Bretón compra varias obras de Hippolyte, a quien califica de surrealista. Es cierto que, como F. T. Marinetti al futurismo,  el francés tenía una marcada disposición a considerar vinculado a su corriente a cualquiera que le pareciese valioso; sin embargo en este caso, tal vez por casualidad, se aproxima a una característica común del arte vudú y su propio grupo: el recurso delautomatismo, aunque el haitiano tenga, según veremos, características distintas al practicado en Europa.

Junto con el poeta francés, en ese viaje está Wifredo Lam, pintor cubano que había permanecido en Europa por largos años y recibido la influencia del cubismo y el surrealismo. Lam vuelve al Caribe con su nueva esposa, Helena Holzer, y su amigo Breton, invitados por el agregado cultural francés en Puerto Príncipe, y retornará a Haítí en 1946, pero esta vez para quedarse seis meses. Como dice Charles Merewether (15) resulta delicado determinar hasta qué punto le causaron impacto tales visitas, pero lo cierto es que el período que da comienzo en 1944 marca un punto culminante en el desarrollo de su obra,aunque no haya dudas de que ella, a partir de allí, se impregna de una simbología vinculada a las religiones afrocaribeñas, de muy difícil interpretación desde una óptica puramente surrealista 14 (16).

La idea de que no solo el candomblé cubano sino y, muy especialmente, el vudú haitiano imprimieron el nuevo sesgo en la obra de Lam que caracterizaría su trayectoria posterior, es bastante novedosa y sólo aparece levemente sugerida en el prólogo citado; sin embargo, la visión de obras haitianas contemporáneas - Rolan Mevs (1945), por ejemplo-  tiende a reafirmar esa vinculación, por lo menos en lo que a imagen y simbología se refiere.

Es posible que, durante su más prolongada estancia de 1946, Lam se imbuyera de la metodología con que los creadores vudú convocan las imágenes que persisten en su inconsciente colectivo; en tal sentido, para la autora de este texto fue muy ilustrativa la entrevista que la autora de este ensayo mantuviera con Tiga, el 23 de marzo del 2000, en su taller de Puerto Príncipe.

Tiga (1935-2006), cuyo nombre era Jean Claude Garoute, ejemplificó muy claramente la resistencia a la hibridización del arte haitiano. Culto, educado, mulato (la clase históricamente más favorecida en Haití), seguramente hougan, a principios de la década del setenta y gracias a la colaboración de una mecenas, Maud Robart, instala su taller a cincuenta  kilómetros de Puerto Príncipe, en Soissons- la Montagne. Más o menos espontáneamente, se le acercan pobladores de la zona, curiosos a los que Tiga suministra materiales, pinturas, arcillas, etc. y una suerte de idea rectora sacar lo que tienen dentro.

Así surge una experiencia única, Saint Soleil que renovaría la cultura vudú, no porque se lo piense como un arte sagrado o la experiencia más penetrante de la pintura mágica de nuestro siglo (17), como cree André Malraux, sino porque, de alguna manera Tiga y su grupo - como antes, los primitivos- han conseguido orientar el automatismo - que en el surrealismo apela al inconsciente individual- hacia el inconsciente colectivo, promoviendo la liberación de las fuerzas culturales profundas. Sin  imposición de técnicas o criterios de gusto, obtienen un arte bruto que pudiera ser de vanguardia si lo pretendiera.

Entre los discípulos de esa época que han alcanzando un gran nivel artístico se encuentran: el ex agricultor Levoy Exil, el peluquero e hijo de houngan Prospere Pierre, la mujer del grupo, Louisiane Saint- Fleurant y el ex pintor de paredes Richard Antilhome. De aquella primera leva y bajo el nombre de Cinq-Soleils, continúan trabajando juntos los tres primeros, además de Denis Smith y Dieuseul Paul.

Más o menos la misma metodología fue traspolada por Tiga a discípulos de  taller de Puerto Príncipe, algunos extranjeros, o de una localidad rural cercana a Jacmel, de la que han surgido artistas como: Payas, Onel, Yaya o Albérik.. Por cierto, la respuesta no sería exactamente la misma en unos que en otros: la base cultural es diferente y la actitud frente al desafío de pintar otra: muchos de los primeros no son gente que ignora los museos como presuponía Malreaux, sino todo lo contrario. Pero aún en los más cultos e informados se ve una soltura en los trazos y una falta de inhibición en las imágenes poco frecuentes.

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2do Viaje por Cuba

PINTORES CUBANOS CONTEMPORÁNEOS

Félix Pestana Cabrera

Félix Pestana nació en Sancti Spíritus en 1947, pintor de formación autodidacta pero con gran nivel de consagración, ha mantenido una fructífera actividad creadora desde el comienzo de la década de los 80, dónde comenzó a participar en numerosas exposiciones en su natal provincia y en la capital, para finales de los 90 comienza a exponer internacionalmente en países como España, Italia, Jamaica, México y los Estados Unidos, durante todo este tiempo hasta la actualidad su obra ha estado en exhibición con regularidad en Sancti Spíritus, dónde podemos destacar su última exposición "Plaza tomado " en el Hotel Encanto Plaza. 

Su obra aborda generalmente el paisaje cubano desde sus diferentes perspectivas,  paisaje rural y urbano, con  estilo personal: pinceladas sueltas, colores intensos y el empleo de la espátula, Félix nos recrea un entorno de fuertes contrastes y de una identidad casi palpable en las texturas de su lienzos, dónde la cubanía es un elemento constante en cada una de sus obras.

Félix se ha desempeñado como crítico para exposiciones de arte, también como profesor y cuenta con varias publicaciones periodísticas y literarias a nivel nacional, actualmente es miembro de La UNEAC y se desempeña como Artista Independiente, su obra se encuentra en colecciones de Europa, América latina y los Estados Unidos.

Denis Nuñez Rodríguez

El pintor cubano Denis Nuñez Rodríguez nació en la Ciudad de Matanzas en el año 1967, culminó la especialidad de pintura en la Escuela Nacional de Artes y desde entonces ha mantenido una vida profesional muy activa, participando en numerosos salones de artes y exposiciones en su ciudad Matanzas, posteriormente realizó varias exposiciones en Ciudad de la Habana dónde reside actualmente, su obra ha sido expuesta en galerías prestigiosas como La Acacia en varios salones de arte erótico, también ha participado en varias exposiciones internacionales en los siguientes países: Dinamarca, España, Alemania, Francia, Panamá, Canadá, Estados Unidos, Colombia y Portugal, ha sido laureado en 2 ocasiones con menciones en El salón de Arte Erótico de la Acacia y en el 2003 obtuvo premio en el Salón Nacional de la UNEAC en el Hotel internacional de Varadero.

Su obra, poseedora de una factura exquisita, gira la mayoría de las veces en torno a la figura humana, en sus conflictos internos, sus temores y frustraciones, algunas veces con una gran carga de realismo y otras traspasando el límite de lo real, llevándonos a un contexto plagado de incertidumbres y de aislamiento.

Denis actualmente se desempeña como creador independiente, es miembro de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba y mantiene una intensa actividad creativa. Su obra se encuentra en colecciones privadas por toda Europa, América latina y los Estados Unidos.

 

Mujer en el río, óleo sobre lienzo, Denis Nuñez Rodríguez

 

Quisiera retoñar, pero jamás echar raices, óleo sobre lienzo, Denis Nuñez Rodríguez

 

Sueños coartados, óleo sobre lienzo, Denis Nuñez Rodríguez

 

Felicidad Garantizada, óleo sobre lienzo, Denis Nuñez Rodríguez

Hanoi Martínez León

Hanoi Martínez León nació en la Habana, Cuba en 1973, desde el 2006 esta radicado en Medellín, Colombia donde desarrolla su labor como artista y promotor del Proyecto "Color y Espacio", un grupo conformado por varios artistas plásticos de la isla, Hanoi ha participado en varias exposiciones en Cuba y en el exterior, fue seleccionado en el 2009 para la Segunda Bienal de Artes Plásticas de Comfenalco en Colombia, a comienzos del 2010 fue elegido por la Revista norteamericana de Arte "BLUECANVAS" para promocionar su obra, siendo el único artista latino expuesto en la tercera edición.

Su obra se ha desarrollado generalmente dentro del paisaje rural, donde el artista ha logrado identificarse dentro del fuerte movimiento paisajista cubano actual, sus paisajes, cargados de un colorido intenso, fuertes contrastes y variadas texturas no logran pasar inadvertidos a la vista de los amantes de la pintura paisajista

Antes de la tormenta, óleo sobre lienzo, Hanoi Martínez León

Tarde en el bosque, óleo sobre lienzo, Hanoi Martínez León

VIAJE POR CUBA

HISTORIA

Bandera de Cuba

La isla de Cuba o Cubanacán ("lugar central") estaba habitada en el siglo XVI por varios grupos étnicos, principalmente los agricultores taínos o arauacos y los ciboneyes. El 27 de octubre de 1492 Cristóbal Colón llegó a Cuba, pero no fue sino hasta 1509 que la primera circunvalación demostró a los europeos que se trataba de una isla y no tierra firme. En 1514 terminó la conquista, iniciada en 1511 por Diego Velázquez de Cuéllar, con la derrota de las fuerzas locales de Hatuey y Guama.

De esta isla, que un documento de mediados del siglo XVI describe como alta y montańosa, con ríos pequeños pero ricos en oro y peces, partieron los militares españoles que luego conquistaron gran parte del Caribe, México y América Central. En forma paralela, a partir de 1511 los colonos procedentes de Santo Domingo iniciaron la explotación del oro cubano. Fue un ciclo económico de corta duración y eso quizás debido al exterminio de la población indígena local. Como el número de esclavos africanos en esos momentos era insuficiente, la economía colonial entró en decadencia y recién se recuperó a fines del siglo XVI cuando comenzó a crecer la producción azucarera.

La explotación del cuero y el cobre, así como la construcción naval, representaban ya en el siglo XVII una verdadera diversificación de la actividad económica en Cuba. De esa manera el eje económico se fue trasladando poco a poco de Santiago (costa sur) hacia La Habana, centro portuario de gran importancia a mediados del siglo XVII.

Hacia 1840 la mano de obra esclava en las plantaciones e ingenios azucareros representaba 77% del conjunto de la fuerza de trabajo cubana. Hay testimonio de la existencia de palenques (comunidades que formaban los esclavos huidos de sus amos, semejantes a los quilombos de otras partes de América-ver Brasil). En 1843 fue abortada una conspiración de esclavos conocida como de "La Escalera".

Además de las presiones ejercidas por el Reino Unido contra el tráfico de esclavos, las acciones desencadenadas por éstos mismos durante la guerra de los Diez años contribuyeron decisivamente a la abolición total del régimen esclavista, en 1886.

Los norteamericanos gobernaron el país de 1899 a 1902, cuando entra en vigencia una Constitución que incluía la llamada "enmienda Platt", por la que se reconocía a los Estados Unidos el derecho de intervenir militarmente en Cuba y a retener Guantánamo, donde establecieron una poderosa base aeronaval que aún conservan. El "derecho" de inter vención fue ejercido en varias oportunidades, con la permanencia de marines por períodos prolongados.

El 26 de julio de 1953, Fidel Castro y un grupo de revolucionarios asaltaron el Cuartel Moncada en la ciudad de Santiago de Cuba, acción que si bien fracasó, marcó el comienzo de la lucha insurreccional. Castro, luego de un período de prisión y posterior exilio en México, desembarcó en la isla en el yate "Granma" en diciembre de 1956. Las bases programáticas habían sido definidas en la defensa de Castro ante los jueces, luego del fracaso de la tentativa insurreccional. Ese alegato fue luego conocido por sus palabras finales: "La historia me absolverá".

El 31 de diciembre de 1958 Batista huyó de Cuba, cuando se acercaban a La Habana las columnas guerrilleras deErnesto "Che" Guevara y Camilo Cienfuegos, que formaban la vanguardia del Ejército Rebelde. En poco más de dos años, las guerrillas del Movimiento "26 de julio", organizado por Castro, desmoralizaron y vencieron al corrupto ejército batistiano.

En enero de 1962 Estados Unidos logró la exclusión de Cuba de la Organización de Estados Americanos (OEA), presionó para el rompimiento de relaciones diplomáticas con la isla y comenzó el bloqueo económico, con el pretexto del apoyo cubano a movimientos insurreccionales en América Latina. En octubre de ese año, la instalación en Cuba de rampas de lanzamiento de misiles soviéticos con ojiva nuclear puso a Estados Unidos y la Unión Soviética al borde de la guerra. El fin de la crisis, negociado entre Washington y Moscú, desnuclearizó a Cuba a cambio de una promesa de no invasión, pero desconoció las exigencias del gobierno cubano (cese del bloqueo, retiro de los soldados estadounidenses de Guantánamo, fin de las acciones terroristas desde el territorio de Estados Unidos).

La campaña de alfabetización llevada adelante en esos años llevó a que en 1961 Cuba se declarara "territorio libre de analfabetismo". Las mejoras en el área de la salud también fueron una prioridad del gobierno. En octubre de 1965 el PURSC transformó en Partido Comunista de Cuba (PCC).

Los vínculos económicos y políticos con la Unión Soviética se estrecharon en los años siguientes. Cuba empezó a brindar asistencia técnica a pueblos y gobiernos afines del Tercer Mundo y envió en 1975 contingentes militares voluntarios a Etiopía y Angola, a pedido de sus gobiernos, para enfrentar sendas invasiones.

En el período que siguió a la Guerra de las Malvinas, las relaciones de Cuba con muchos gobiernos latinoamericanos mejoraron. La realización de varias reuniones internacionales en La Habana durante 1985 sobre el tema de la deuda externa fue otro factor de acercamiento de Cuba al resto de la región.

En lo interno, algunas medidas perfilaron una nueva estrategia de desarrollo tendiente a lograr una mayor autonomía económica, menos dependiente de los factores externos y de sus deudas con el campo socialista.

Estas propuestas estuvieron estrechamente ligadas al incremento de las amenazas de agresión militar desde el comienzo de la segunda presidencia de Ronald Reagan. La economía pasó a jugar un papel estratégico, en virtud del aumento de los gastos de defensa requeridos. Las importaciones "inevitables" debían pasar a financiarse con las exportaciones.

A comienzos de 1990, la administración Bush intensificó la presión contra Cuba por medio de importantes maniobras militares en la base de Guantánamo y el mar Caribe y la violación del espacio televisivo de la isla con las emisiones de Televisión Martí, con el respaldo de La Voz de las Américas. Sin embargo, este proyecto sólo pudo penetrar en la isla un día, luego fue interferida con ondas locales.

En esos mismos meses regresaron los últimos contingentes cubanos del Congo, Etiopía y Angola que dejaron como saldo la independencia de Namibia y el comienzo de la abolición del apartheid. Más de 300 mil cubanos pasaron por Angola, con un costo humano de 2.016 muertos.

La desaparición de los principales socios comerciales y el refuerzo del bloqueo por parte de Estados Unidos obligó a la creación de un Plan Especial que intenta distribuir equitativamente los escasos recursos. En 1990 se racionó el consumo de pan a 100 gramos por persona por día, se suspendió la edición de tres periódicos y se redujo a menos de un tercio la tirada habitual del diario oficial Granma. Entre las propuestas alternativas se encuentra la voluntad de dar nuevo impulso a la oferta internacional de azÚcar, tabaco y café en el marco de un fortalecimiento general del sector agrícola, así como la bÚsqueda de acuerdos con México y Venezuela para la compra de petróleo.

La escasez de alimentos, obligó a las autoridades a poner en práctica un programa alimentario de emergencia. Este programa buscó incrementar rápidamente la producción y la elevación de los rendimientos de la cosecha azucarera, para poder utilizar también los derivados de la cana de azÚcar en la alimentación animal. El programa de emergencia buscó asimismo crear nuevas fuentes de trabajo.

En abril de 1994 se realizó en La Habana la reunión "La Nación y la Emigración", convocada por el canciller Roberto Robaina, a la que asistieron algunos grupos de emigrados cubanos en el exterior. Poco después se produjeron varios incidentes en La Habana protagonizados por personas que querían salir del país ilegalmente en embarcaciones precarias. Cuando Cuba anunció que no pondría trabas a los llamados "balseros", Estados Unidos accedió a mantener conversaciones oficiales para regular la salida legal de inmigrantes.

En julio, Cuba ingresó como miembro pleno en la Asociación de Estados del Caribe. La participación de Cuba en la AEC, organización que surge como un nuevo bloque económico, facilitará una mayor integración de la economía cubana en la región con ventajas arancelarias y facilidades comerciales.

En febrero de 1996 la aviación cubana derribó dos avionetas de un grupo de exiliados de Miami --llamado "Hermanos al rescate-- que habitualmente violaba el espacio aéreo de la isla para arrojar panfletos antigubernamentales. El incidente promovió nuevos enfrentamientos con Estados Unidos. Amnistía Internacional denunció el encarcelamiento de varias personas vinculadas al Concilio Cubano. Según Amnistía, el Concilio reunía a 140 grupos de periodistas, profesionales y sindicalistas opositores, mientras que el gobierno cubano lo vinculaba a las acciones intervencionistas estadounidenses.

En la segunda mitad del año un incidente diplomático entre los gobiernos de Cuba y España puso en peligro las relaciones entre ambos países. El gobernante español demandó "cambios democráticos" en la isla como condición previa para estar en condiciones de recibir préstamos de la Unión Europea.

 

MÚSICA Y DANZAS

Entre los géneros tradicionales se encuentra el son y guaguancó. En el siglo XX se popularizaron otros ritmos muy bailables. Entre ellos el chachachá, el mambo,la guaracha y el danzón. Hoy en día la guaracha cubana es conocida en todo el mundo con el nombre de salsa originado en los EEUU lugar preciso New York por la inmigración de los distintos músicos de toda Latinoamérica. En la actualidad se bailan aún muchos de estos ritmos y se practican en las casas de cultura. Entre los más bailados actualmente están la conga y el casino, así como latimba. En la actualidad no solo en Latinoamérica sino en el mundo entero.

 

Chachachá

El chachachá es un género musical originario de Cuba creado a partir del Danzón por el compositor y violinista habanero Enrique Jorrín en 1953.

Los danzones eran interpretados tan solo por instrumentos, mientras que Jorrín le introdujo las voces de los músicos cantando a coro para darle más potencia. Este estilo gustó a los que bailaban, que ahora podían improvisar más e inventaron nuevas figuras. Durante sus primeros años como compositor, Jorrín sólo componía danzones, respetando sus cánones musicales, pero poco a poco fue modificando algunas de sus partes. Estos fragmentos modificados gustaron tanto al público que decidió independizarlos del danzón hasta llegar a lo que él llamó cha-cha-cha.

La instrumentación del chachachá originalmente fue tomada del danzón, que en Cuba se toca con una agrupación musical llamada charanga francesa. Ésta consistía en la percusión, elpiano, el Bajo, la flauta y una sección de cuerdas, todos estos con una similitud al funk. El auge del chachachá promovió este tipo de agrupación, que ya estaba perdiendo adeptos. Los grupos más importantes que lo interpretaron fueron la Orquesta Aragón, la Orquesta América, Los Cariñosos y la Orquesta de Enrique Jorrín. También influyó en varios estilos, como el grupo de funk/rap Los Tetas con una canción del mismo nombre.

En estos momentos la formación tradicional de la charanga es la que predomina entre las orquestas populares cubanas. En Nueva York, Gilberto Valdez forma la primera Charanga de los EE.UU. que serviría de influencia fundamental para las posteriores formaciones; pero en la década de 1970 comenzó a decaer.

Son

Son

El origen del Son se ubica en la región oriental de la isla cubana principalmente en Santiago y en la cordillera montañosa de Sierra Maestra. También, se menciona la provincia de Guantánamo y se asocia con las fiestas Changüí que allí se celebraban. Este género musical surge a fines del siglo XIX como parte de la forjación de la nacionalidad cubana. El Son se comenzó a popularizar en los carnavales de Santiago para el 1892 por un interprete llamado Nené Manfugás, éste ejecutaba un instrumento rústico de tres cuerdas doble y una caja de madera llamado Tres, el cual se convertiría en el símbolo del Son hasta el día de hoy.

En sus inicios su estructura musical se basaba en la repetición constante de un estribillo de cuatro compases o menos cantado por un coro, conocido como el Montuno. En éste la improvisación que realiza un cantante solista, por lo general contrastante con el estribillo. Al asentarse en los centros urbanos adquiere un elemento estructural de la música europea, la inclusión de una sección cerrada, que se ubicó al inicio del canto y fue seguida por el estribillo o Montuno. En la primera parte del Son se centralizó el tema, esto enmarcó la improvisación o Montuno a repeticiones del tema con algunas variantes sobre el ismo.

Los instrumentos originales del Son fueron: el tres y la guitarra como una manifestación concreta la cultura hispana, el bongó aportó la concepción de la interpretación politímbrica que se desprende de sus múltiples formas de ejecución, las maracas y la clave normalmente ejecutadas por el cantante ("Sin clave no hay Son") y, finalmente, la marímbula y la botija que fueron sustituidas por el contrabajo en los predios urbanos. En el Son se da un sincretismo musical entre los instrumentos percusivos africanos y los instrumentos de cuerda pulsada españoles; en el aspecto vocal entre la décima española y el canto alternado entre coro y solista (antifonal) de origen africano.

En el año 1909 el Son se propaga por todo el territorio cubano gracias, en parte, a la resolución que creaba el ejercito permanente y disponía que todo soldado reclutado se trasladaría a otra provincia, con el propósito de sacarlo de su medio social.

Los Cuartetos de Son que provienen de las zonas rurales dominan el marco musical de la ciudad y, en la década del 20, se transforman en Sextetos. Por ejemplo, El sexteto Habanero fundado en el 1920 tuvo su antecedente en el cuarteto Oriental. En el 1927 con la integración de una trompeta se convirtió en Septeto, aunque mantuvo el nombre de sexteto Habanero, así dio origen y definió este formato instrumental sonero, característico de los medios urbanos y de gran influencia en el resto del Caribe desde la década del 30. Entre los septetos debemos destacar el septeto Nacional de Ignacio Pineiro, que con "su poder creador trabajó en los contornos del Son oriental impartiéndole un tratamiento y desarrollo más amplio en lo musical y con una temática literaria más profunda y variada."( H. Orovio) Sin duda el estilo del trompetista del septeto Lazaro Herrera y la independencia brindada, por Pineiro, al cantante como solista permitió que el septeto Nacional fuera la referencia obligada para este tipo de agrupación tanto enCuba como en el Caribe. Además, fue la agrupación que popularizó el tema de Pineiro "Échale Salsita", referencia primaria de la palabra Salsa en la música del Caribe, según muchos autores. Pero nos parece aventurada esta aseveración pues su uso en el tema tiene una perspectiva gastronómica (échale salsita a la butifarra) y no el sentido que hoy le adjudicamos a la palabra Salsa, como denominación de un movimiento musical caribeno y mundial.

Son

El Son era uno de los bailes de las clases pobres - de los solares - que fue rechazado duramente por las clases acomodadas - de los clubes -, incluso fue prohibido por el gobierno que lo consideraba inmoral. Luego, al entrar en los salones de baile de La Habana y otras ciudades importantes, al disfrutar de una gran difusión discográfica y gracias al trabajo musical de agrupaciones como las arriba mencionadas; el Son pasó del solar a la conciencia del pueblo cubano y de ahí al mundo. Luego de los años 20 el Son se convirtió en el género nacional de Cuba, superando al Danzón, que lo fue a fines del siglo pasado y principios de éste. La década del 30 representa el período de internacionalización del Son gracias, principalmente, a las presentaciones de la orquesta de Don Azpiazu con su cantante Antonio Machín en los Estados Unidos (1930) y Europa (1931). La orquesta de Azpiazu convirtió al Son Pregón de Moisés Simón "El Manicero" en un éxito mundial. Por su parte el septeto Nacional de Pineiro se presentó en la Feria Mundial de Chicago en el 1933 y logró un triunfo arrollador.

En el 1940 surgen los Conjunto cuando el tresista Arsenio Rodríguez decide ampliar el formato del septeto y le anade dos trompetas, la tumbadora y el piano. Con la inclusión de la tumbadora en los Conjuntos se superaba la prohibición del uso de la misma en las orquestas cubanas, establecida por el Presidente Machado en la década del 30; en poco tiempo Arcano la incorporó, por primera vez, en las Charangas. La guitarra se dejó de utilizar en los Conjuntos y el tres quedó como el instrumento emblema de las agrupaciones soneras. En el conjunto de Arsenio el tres se ejecutaba en un estilo distinto a los otros formatos musicales del Son, el piano elaboraba tumbaos de gran vitalidad y la trompeta desarrollaba improvisaciones bien cubanas partiendo del swing americano.

Con esta perspectiva musical el Conjunto de Arsenio y las otras agrupaciones que siguieron su pauta crearon una nueva sonoridad para el Son. Otros Conjuntos que en la década del 40 se destacaron en la interpretación del Son por su calidad fueron: La Sonora Matancera como conjunto acompañante de grandes figuras del canto caribeno y el Conjunto Casino por su exquisita sonoridad e inigualable sabor interpretativo. En la década del 50 Benny Moré, el genio de la música cubana, creó una escuela aparte en la interpretación del Son, él en si mismo acompañado por su banda gigante (La Tribu, como él les llamaba) era un estilo sin competencia, un fuera de serie en la música popular del caribe. Además, el Son ha sido interpretado por otros tipos de agrupaciones musicales tales como: Trios, Charangas, Big Bands y Grupos Experimentales.

Este género tiene una gran cantidad de variantes entre las que podemos mencionar: el changüí, el son montuno, el son habanero, el sucu sucu y el son pregón entre otros. A fines de los 60 y principio de los 70 el bajista cubano Juan Formell y su agrupación Los Van Van crean El Songo al mezclar el Son con la música electrónica americana del Beat. Formell incorporó en la Charanga los trap drums, el bajo eléctrico, amplificó los violines a la vez que estos tenían un énfasis rítmico, los cantantes interpretan a tres voces y finalmente introdujo los trombones en las Charangas cubanas.

http://www.youtube.com/watch?v=cpFqMlLkDsM&feature=related

Danzón

Danzón

La mayoría de los musicólogos coinciden en que el Danzón proviene de la Contradanza Cubana y de la primera expresión vocal autóctona de Cuba, la Habanera. Estos le adjudican a la ola migratoria del 1798 de hacendados franceses - que huían de la revolución haitiana, con sus sirvientes africanos y criollos hacia Santiago de Cuba. La casi paternidad de la Contradanza Cubana gracias a su música la Contradanza Francesa y el Minué. En la antología, Panorama de la Música Popular Cubana, publicada en el 1996 encontramos un artículo muy interesante y revelador, de la historiadora cubana Zoila Lapique titulado "Aportes Franco-Haitianos a la Contradanza Cubana: Mitos y Realidad". En éste la autora fundamenta la tesis de que la Contradanza tuvo, desde mediados del siglo XVIII hasta más allá de la mitad del siglo XIX, dos momentos fundamentales. En primer lugar vino a través de España y en Cuba se le insertó la célula rítmica de origen africano conocida como la conga, y despues recibió el aporte músical franco-haitiano, tras una sedimentación de más de medio siglo en tierra cubana de este grupo de emigrantes. La Contradanza Cubana dio pie a la Danza Cubana que con su tiempo lento y melancólico proveyó espacio a la estrofa cantada y de ahí a la Habanera, primera expresión vocal propiamente cubana. En ésta la influencia africana está en el ritmo tango congo de origen bantú y la presencia hispánica en la melodía y el verso.

"El café de La Lonja sería escenario en 1841 de un hecho trascendental para la música cubana...por primera vez se cantó una contradanza con versos expresamente dichos al compás de la música. Era el inicio de lo que sería después un nuevo género cubano: La Habanera".

El desarrollo de la Contradanza Cubana y La Habanera llevó a la creación de otros géneros músicales propiamente cubanos, que estuvieron muy vinculados a la transición de la Orquesta Típica a la Charanga Francesa. En orden cronológico de origen podemos mencionar a: el Danzón, el Danzonete, el Danzón de Ritmo Nuevo (Danzón Mambo), el Cha-Cha-Chá y la Pachanga; todos ellos asociados, principalmente, al formato instrumental de la Charanga Francesa. En el 1879 el músico matancero Miguel Faílde estrenó su Danzón "Las Alturas de Simpson" en el Liceo de Matanzas con la orquesta que dirigía. "La contradanza...había sufrido un proceso de criollización paulatina, que devino la danza cubana, duena de una mayor libertad expresiva, asentada, en lo coreográfico, en la pareja enlazada con evidente influjo afroide en su ritmo. Precisamente, al aumentar sus partes formativas, al extender su tiempo bailable, se le empezó a dar el calificativo de danzón. "En sus primeras etapas, el danzón era interpretado por un conjunto denominado Orquesta Típica que incluía en su formato: cornetín, trombón de pistones, figle, dos clarinetes, dos violines, contrabajo, timbal y guiro... La orquesta típica fue sustituida por una orquesta denominada Charanga Francesa, cuyo formato instrumental lo integran: flauta, piano, instrumentos de madera (principalmente dos o tres violines y contrabajo, pudiendo incluir también viola o violoncelo) y percusión (timbales o pailas y güiro)."

El trío músical francés de piano, violín y flauta que traían los inmigrantes de Haití con el tiempo incorporó instrumentos percusivos cubanos y así surge la Charanga Francesa. A principios del siglo XX se incluyó la tumbadora cubana, la paila criolla o timbal y el güiro y su nombre se reduce simplemente a Charanga. "En los años cincuenta Enrique Jorrín introdujo dos trompetas en su charanga y José Antonio Fajardo incluía esporádicamente una trompeta". Estos experimentos para redefinir la dotación instrumental de las Charangas no tuvieron éxito en Cuba, pero en Nueva York se concretan a principios de la década de los 60; gracias a orquestas como el conjunto Cachana de Joe Quijano (agrega trompetas) y la Moderna de Ray Barretto (agrega trompeta y trombón). El Danzón dominó a su antojo el escenario músical de Cuba desde fines del siglo XIX , luego en la primera y segunda década del siglo XX el Danzón comenzó a perfilar su forma definitiva e incorporar elementos de otros géneros cubanos, principalmente del Son. "En el 1910, José Urfé, compositor, director y clarinetista, revoluciona el Danzón cubano al insertar, en su parte final, un montuno de son al estilo de los figurados de los treseros orientales." La composición de Urfé, dedicada a su violinista Julián Barreto, "El Bombín de Barreto" estableció para el resto del siglo la tónica del estilo que distinguiría al Danzón.

La historia del bolero latinoamericano

Sobre el origen del Bolero existen diversas teorías, la mayoría señala a Europa como la cuna del género. Yo me inclino por allí y complemento esa base con diversas apreciaciones. El Bolero viene de España e inicialmente era una danza de movimiento ligero. Posiblemente el Bolero es una manifestación musical gitana, pues su nombre puede venir de la expresión ‘Volero’ de volar, y las danzas gitanas a veces implican movimientos agudos y rápidos que aparentan el vuelo de aves. Además, si nos fijamos de la instrumentación musical de las danzas gitanas notamos guitarras y unas cajas de madera que hacen de percusión, además del aplauso y el uso de las palmas de las manos. Con esta instrumentación llega el Bolero a América, específicamente a Cuba, donde la fusión con los ritmos africanos de esa maravillosa zona mágica que es el Caribe dio como resultado el compás cadencioso del Bolero como lo conocemos en su acompañamiento clásico: Con unas guitarras y unos bongós, congas o tumbadoras como percusión.

Se acepta que el primer Bolero compuesto, fue "Tristezas" escrito por el cubano José ‘Pepe’ Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos ‘clásico’ ( las guitarras y la percusión), así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas, el toque romántico le permitió adaptarse a todas las clases y el avance tecnológico ( en este caso , la Radio) le permitió universalizarse y luego otro prodigio de la ciencia (La Grabación y el Disco de acetato y vinilo) le permitió perpetuarse en el Tiempo.

La irradiación musical de Cuba se hizo sentir, no sólo con el bolero sino con el son, el danzón, la guaracha, el mambo y el cha cha cha, entre otros. Los países que se ven bañados por el mar Caribe asumieron pronto como propio el producto que Cuba les daba de contrabando entre la década de los veinte y los treinta. Eso permitirá la fusión y el engrandecimiento del bolero con otros géneros musicales dándose como resultados los sub géneros: Bolero ritmico, Bolero Cha cha cha, Bolero Mambo, o inclusive la Bachata (bolero Dominicano), el Bolero Ranchero (mezcla bolero y mariachí mexicano ) y el Bolero Moruno (bolero con mezclas gitanas e hispánicas). Pero otro hecho que contribuirá al ascenso del Bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó a ese género músical sureño sin un destacado interprete, por consiguiente decayó ese afán por el tango tras la muerte de su mejor voz y permitió la expansión del bolero.

Primero, sería la era de los Tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales que incursionaban en el bolero, después las orquestas al estilo ‘big band’ y, por último, verdaderas orquestas sinfónicas darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante cási treinta años ( 1935-1965) dominó el espectro musical latinoamericano, valiéndose de los recursos comunicativos de la época: primero la radio y los programas en vivo, luego los discos (primero de 78 revoluciones por minuto, luego 45 r.p.m. y finalmente 33 ? r.p.m, llamados Long Play o L.P’s ), después el Cine y finalmente la Televisión. El proceso no dejó a nadie de la región fuera: Cuba y México se convirtieron en las mecas y centros artísticos, y artistas de toda la región participaron y se destacaron ( compositores e interpretes): además de México y Cuba, los hubo de Puerto Rico, Venezuela, Colombia, República Dominicana, Ecuador, Bolivia, Chile, Argentina, y hasta Brasil y España.

Varios factores contribuyeron al auge de la era dorada del bolero, ya señalamos la caída del tango, además de eso tenemos primero un cierto aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial, que no permitió a estos países integrarse a la era llena de influencias musicales que no fueran el vals, el pasodoble o el fox -trox, venidos de Europa o los Estados Unidos, esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran, destacamos también que los países ‘influyentes’ no estaban interesados en vendernos su cultura y sus gustos, solo mostraban interés porque América Latina les comprase sus productos. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les interesaba ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del Bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de la década de los cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una difusión y vigencia enorme al Bolero. Pero Cuando América Latina rompió su relativo aislamiento cultural después de la segunda guerra mundial y se integró a un mundo competitivo y cosmopolita de influencias, el bolero decayó.

La Balada pop vino a ocupar el puesto de lo ‘romántico’, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha cha cha fue sustituida por el Rock and Roll, la Salsa Brava y el Merengue. No podemos afirmar que el bolero murió, aunque quedó relegado a sus exponentes originales, quienes lo interpretan hasta el final de sus dias (como Alfredo Sadel o Daniel Santos) y a sus fanáticos, casi siempre de edad avanzada; además, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero, pues eso hacía Armando Manzanero, disfrazaba de baladas, sus composiciones que eran boleros, también Marco Antonio Muñíz o José José quienes en entrevistas a la prensa confiesan que lo que siempre interpretaban en lo romántico eran boleros, sólo que lo acompañaban musicalmente como baladas pop. Por ello la llamada ‘resurección’ realizada por Luis Miguel, si bien tiene méritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero.

2da VISITA A ARGENTINA

TANGO

Tango

En un hecho de origen popular como el tango y, por tanto, de nacimiento evolutivo resulta imposible apuntar una fecha de nacimiento. Sin embargo, lo cierto es que la mayoría de los estudiosos coinciden en la década de 1880 como el punto de partida de lo que entonces no era más que una determinada manera de bailar la música. La sociedad donde nace el tango escuchaba y bailaba habaneras, polkas, mazurcas y algún vals, por lo que respecta a los blancos, mientras que los negros, un 25% de la población de Buenos Aires en el siglo XIX, se movían al ritmo del candombe, una forma de danza en la que la pareja no se enlazaba y bailaba de una manera más marcada por la percusión que por la melodía.

Musicalmente, el tango tiene parte de  su genealogía en la habanera hispano-cubana y es por tanto hijo  entre los puertos de lengua española de La Habana (Cuba) y Buenos Aires (Argentina). Sin embargo, estos orígenes explican poco sobre su nacimiento. Inicialmente, el tango es interpretado por modestos grupos que cuentan sólo con violín, flauta y guitarra o incluso, en ausencia de ésta, el acompanamiento de un peine convertido en instrumento de viento con la mediación de un papel de fumar y un avezado soplador que marca el ritmo. El instrumento mítico, el bandoneón, no llega al tango hasta un par de décadas después de su nacimiento, en 1900 aproximadamente, y poco a poco sustituye a la flauta.

Inicialmente, el tango debió ser un modo de interpretar melodías ya existentes, modo sobre el que fueron creándose otras nuevas que en un inicio ni siquiera contaban con una transcripción musical, ya que a menudo sus intérpretes y creadores no sabían escribir o leer música. De hecho, con el correr de los años, algunos de los primeros tangos ya transcritos no van firmados por sus autores sino por avispados personajes que sí sabían escribir música y aprovecharon el vacío existente sobre la autoría de determinados tangos celebrados popularmente, para ponerlos a su nombre y ganar con ello unos pesos.

En España en el siglo XIX se empleaba la palabra tango para un palo flamenco, en la geografía africana hay algunos topónimos con ese nombre, en documentos coloniales españoles se usa el vocablo para referirse al lugar en que los esclavos negros celebraban sus reuniones festivas… algunos incluso dicen que el origen podría estar en la incapacidad de los africanos para pronunciar bien la palabra "tambor" que quedaría así transformada en "tangó". En fin, es una buena pregunta pero la irremisible falta de documentación escrita y el origen ágrafo del tango y sus primeros padres callará la respuesta para siempre.

Hay que decir que Buenos Aires era a finales del XIX una ciudad en expansión con un enorme crecimiento demográfico sustentado sobre todo en la emigración que procedía de multitud de países. Había españoles e italianos pero no eran ajenos a esta corriente migratoria los alemanes, húngaros, eslavos, árabes, judíos… Todos ellos componían una gran masa obrera desarraigada, pobre, con escasas posibilidades de comunicación debido a la barrera lingüística y mayoritariamente masculina, ya que eran fundamentalmente hombres en busca de fortuna, hasta el punto de que la composición natural de la población de Buenos Aires quedó totalmente descompensada, de modo que el 70% de los habitantes eran hombres.

En este ambiente, se comienza a bailar en tugurios y lupanares el nuevo ritmo que se asocia así desde su inicio al ambiente prostibulario, ya que eran sólo prostitutas y "camareras" las únicas mujeres presentes en las academias o perigundines.

Tango

Puesto que se trataba de féminas dedicadas en alma y, sobre todo, en cuerpo a sus accidentales acompañantes, el tango se comenzó a bailar de un modo muy "corporal", provocador, cercano, explícito… de un modo socialmente poco aceptable como se vería cuando, siendo ya un fenómeno emergente, el tango comenzó a salir del arrabal de su ciudad de origen y empezó a expandirse.

En los primeros tiempos, cuando el tango comienza a convertirse en canción, las letras que acompanan la música son obscenas y sus títulos dejan lugar a pocas dudas: "Dos sin sacarla", "Qué polvo con tanto viento", "Con qué tropieza que no dentra", "Siete pulgadas"... o incluso "El Choclo" que aunque literalmente significa mazorca de maíz, en sentido figurado y vulgar, equivale al castellano "chocho" o "cono".

De su baja cuna a su encumbramiento como baile en los salones del mundo occidental, el tango recorrió un curioso camino de ida y vuelta entre el Nuevo y el Viejo Continente, con una parada decisiva y brillante en París.

Los burgueses de Buenos Aires no tenían reparos en bajar a los arrabales para divertirse, bailar y, de paso, levantarse alguna mina o alguna "milonguita" que engatusaba o se dejaba engatusar. Y para acercarse a la mujer no conocida, nada mejor que el tango. Por supuesto, el tango no era aceptable en sus casas ni bailable con las senoritas de su ambiente y por esa razón permaneció durante muchos años como algo marginal y de clase baja.

Sin embargo, los viajes de estos patricios a Europa, especialmente a París, fueron el desencadenante. París no sólo era la capital del glamour y de la moda, sino que además era una ciudad que daba cobijo a una sociedad plural, parte de la cual era alegre y desprejuiciada. Si ello era así a principios del XIX también lo era a principios del siglo XX al que llegaron con una fortalecida fama locales públicos como el Bal Bullier de Montparnasse o el Moulin de la Galette.

En este contexto social no fue difícil que el osado baile creado en la capital del Plata encontrara un terreno abonado para florecer y convertirse en curiosidad al principio, en moda y furor después. Y una vez en París, el escaparate de Europa, la capital de la moda, la cuna del chic, su extensión al resto del continente primero y todo el mundo después, fue algo sencillo y rápido. Curiosamente, es entonces, cuando Buenos Aires se mira en París, cuando finalmente el tango entra en sus salones más nobles avalado ahora por el bautismo europeo, el mejor de los pedigríes para una burguesía emergente que luchaba por hacer de su ciudad el París de América

La gloria trajo también y simultáneamente el rechazo. La sempiterna dinámica social se puso nuevamente en marcha, lo antiguo frente a lo nuevo, la censura frente a la apertura, la tradición frente a la renovación. Los detractores del tango surgieron por doquier y fueron incluso ilustres y famosos. El Papa Pío X lo proscribió, el Káiser lo prohibió a sus oficiales y la revista española La Ilustración Europea y Americana hablaba del "…indecoroso y por todos conceptos reprobable 'tango', grotesco conjunto de ridículas contorsiones y repugnantes actitudes, que mentira parece que puedan ser ejecutadas, ó siquiera presenciadas, por quien estime en algo su personal decencia.". La cita pertenece a esa revista española, pero resulta fácil encontrar otras paralelas en publicaciones inglesas, alemanas o, incluso, francesas.

No obstante, para cuando llegó la reacción la suerte estaba ya echada: el tango había triunfado. Hubo vestidos de tango, color tango, tango-thés… el tango fue el baile rey de ese mundo de preguerra que habría de terminar muy pronto con el primer enfrentamiento armado mundial, la ascensión de Estados Unidos como potencia, el cambio de costumbres. Después, el tango siguió viviendo, nació con fuerza el tango canción que le tomó el relevo al tango baile, pero con un éxito geográficamente más restringido, el mundo, en una nueva preguerra descubrió y admiró a Carlos Gardel y al final del conflicto la supremacía de Estados Unidos desembarcó en Europa también con el swing que murió sólo para darle paso al rock and roll.

Carlos Gardel

Carlos Gardel fue un cantante y actor de cine naturalizado argentino, considerado el más importante tanguero de la primera mitad del siglo XX. Según algunos investigadores nació en Toulouse, Francia, el 11 de diciembre de 1890, y, según otros, nació en Tacuarembó, Uruguay, el11 de diciembre de 1887, viviendo desde su infancia en Buenos Aires. Falleció el 24 de junio de 1935 en Medellín, Colombia, en un accidente aéreo. En 2003, a propuesta del gobierno uruguayo, la voz de Gardel ha sido registrada por la Unesco en el programa Memoria del Mundo, dedicado a la preservación de documentos patrimoniales

Gardel creció en el Abasto, una zona entre los barrios de Almagro y de Balvanera, en Buenos Aires en el que funcionaba el famoso Abasto,mercado central de frutas y verduras, cuyo edificio estilo art decó se conserva reciclado y convertido en centro comercial. A muy temprana edad comienza a ser reconocido por su canto, y trasciende su fama como el Morocho del Abasto. El payador José Betinotti le daría un nuevo apodo que también se haría popular, El Zorzal Criollo, y lo motivaría a cantar en los centros políticos. También se le conoce como el Francesito, como El Mudo, con base en un fino sentido del humor que hace referencia a su excepcional voz y como el que cada día canta mejor.

Estudió en el Colegio Salesiano Pio IX de Buenos Aires, donde fue compañero de curso de Ceferino Namuncurá, futuro beato argentino. En1902, siendo tramoyista en el teatro La Victoria, comienza a escuchar a distintos cantantes de zarzuela y ópera, entre los que se destacan el barítono italiano Titta Ruffo y el zarzuelista español Sagi Barba. En 1911 celebró un duelo musical con 'El Oriental' José Razzano en la calle Guardia Vieja del barrio del Abasto. En ese duelo no ganó ninguno de los dos: más bien surgió el dúo Gardel-Razzano, que trabajó unido durante quince años. Poco tiempo después Gardel grabaría sus primeros discos, marca Columbia Record, para la Casa Tagini.

Calle Carlos Gardel, en el Barrio del Abasto, en Buenos Aires

Gardel recibiría en 1915 un balazo durante un altercado a la salida del Palais de Glace (salón de baile de la época en el barrio de la Recoleta). Cantaría el resto de su vida con esa bala alojada en su pulmón izquierdo.

Dos años más tarde es protagonista del film mudo Flor de Durazno6 (novela de Hugo Wast). En 1923, ya metido de lleno en el tango, realiza con Razzano y la Compañía Rivera-De Rosas, una gira que lo llevará a Uruguay, Brasil y España, debutando en el Teatro Apolo de Madrid. Hacia mediados de la década de 1920 el dúo cantor se separa, pasando Razzano a ejercer las funciones empresariales. Gardel vuelve a realizar giras por Europa, donde actúa en España (1925) y Francia (1928), y actúa en varias películas para la Paramount. Debuta en el cabaret Florida de París, con enorme éxito y graba varios discos. En 1929 visita brevemente Italia y el 5 de febrero vuelve a Francia, donde actúa en la Opera de París, triunfando de manera rotunda.

De regreso en Buenos Aires debuta en el Teatro Empire, para volver a viajar a España donde actúa en el Principal Palace de Barcelona y en el Teatro Avenida de Madrid. Comienza entonces a grabar los cortometrajes que lo harían famoso. Volvería a Francia en 1930 donde filma para la Paramount francesa la película Luces de Buenos Aires.

Tras una breve vuelta por Buenos Aires y Montevideo viaja otra vez a Europa, pero sin sus guitarristas. Realiza giras por la Costa Azul, Italia, Londres, París, Viena, Berlín y Barcelona. Filma nuevamente para la Paramount francesa "Espérame", "La casa es seria" y "Melodía de arrabal". En estas películas se incorpora como colaborador el poeta y periodista Alfredo Le Pera, con quien Gardel escribirá muchos temas (Mi Buenos Aires QueridoSilencioVolverEl Día Que Me Quieras, etc.).

En 1933 regresa a Buenos Aires. Su conjunto de guitarras estaba integrado por Barbieri, Riverol, Vivas y Pettorossi, trabajan en Montevideo y en el interior de la Argentina y del Uruguay.

Carlos Gardel junto a Peggy, Mary, Betty y Julie, durante la filmación de Rubias de New York, en 1934.

Su público nunca más lo volvería a ver: el 7 de noviembre de 1933 se va un tiempo corto a Barcelona y París, y luego viaja a los Estados Unidos donde debuta en la NBC de Nueva York, el 30 de diciembre. En 1934 filma "Cuesta abajo", "Mi Buenos Aires querido" y "Tango en Broadway", para la Paramount de Nueva York. Vuelve por poco tiempo a Francia, a fines de 1934 vuelve a actuar en la NBC y a filmar en el musical de la Paramount "Cazadores de estrellas" junto a Bing Crosby, Richard Tauber y Ray Noble entre otros grandes. En 1935 filma El día que me quierasTango Bar, donde canta sus éxitos más recordados. En abril emprende su fatídica gira, programada para ir por Puerto Rico, Venezuela, Aruba, Curaçao, Colombia, Panamá, Cuba y México, pero el destino impidió que esta se completara. El 24 de junio de 1935 Carlos Gardel, junto con Alfredo Le Pera y algunos de sus músicos, entre ellos el Indio Aguilar, falleció en el choque de dos aeroplanos a punto de despegar sobre la pista del aeropuerto Olaya Herrera de la ciudad de Medellín (Colombia).

Gardel se encontraba en lo mejor de su carrera, millones de sus admiradores lo lloraron. Entonces "El Zorzal criollo" se ganó la gloria: popularmente, la gente dice que "Gardel cada día canta mejor". Un verso de su tango Volver se convirtió en un refrán famoso en toda América latina: "Veinte años no es nada".

 

http://www.youtube.com/watch?v=jildNDPHPQo&fmt=37

 

http://www.youtube.com/watch?v=bXhQNRsH3uc&fmt=37


El tango es un estilo musical y un baile nacido en los arrabales porteños con difusión internacional, ligado fuertemente con la Argentina y con Uruguay, pero sobre todo con Buenos Aires. En este género musical se destacaron Carlos Gardel, considerado como el Rey del Tango, y el marplatense mundialmente reconocido Astor Piazzolla.

El folclore argentino reúne las manifestaciones artísticas del interior de la Argentina. Han existido zonas en la cuales predominaba algún estilo (por ejemplozambas, cuecas, chacareras, chamarritas, chamamés, malambo), aunque actualmente han experimentado una difusión nacional. Atahualpa Yupanqui,Mercedes Sosa y Soledad Pastorutti se encuentran entre los exponentes más importantes de estos géneros.

El «rock nacional» argentino ha tenido un amplio desarrollo desde finales de los años 1960 y una fuerte influencia en el rock iberoamericano cantado en español. Posee exponentes destacados como las bandas Soda Stereo, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, o los músicos Charly García o Fito Páez. Los recitales multitudinarios suelen celebrarse en estadios, siendo el de mayor capacidad el Estadio Monumental Antonio Vespucio Liberti. Uno de los festivales más exitosos de la actualidad es el Quilmes Rock, celebrado anualmente.

La balada romántica, con cantantes de fama sudamericana como Sandro de América, la cumbia, también llamada "bailanta", con un ritmo más simple que el modelo original colombiano, y el cuarteto (este ritmo especialmente en la Provincia de Córdoba), son los géneros de mayor arraigo en los sectores populares.

Buenos Aires suele ser escenario de la música electrónica en América Latina y es sede de importantes fiestas como la South American Music Conference o la Creamfields, que con su convocatoria de más de 60.000 personas, se convirtió en una de las más importantes del mundo. La ciudad, junto con Mar del Plata y Bariloche, tienen también su propio estilo de música electrónica.

Con base en el Conservatorio Nacional de Música y el Teatro Colón, se ha desarrollado una sólida escuela de música y danza clásicas. En la música clásica, destacan compositores como Alberto Ginastera, intérpretes como Martha Argerich y directores como Daniel Barenboim. En danza clásica, destacan Jorge Donn, Maximiliano Guerra, Paloma Herrera, Marianela Núñez y Julio Bocca; este último, director también del Ballet Argentino.

VIAJE A ARGENTINA

República Argentina

Bandera de Argentina

Dos grandes grupos humanos poblaban el territorio de la actual Argentina a principios del siglo XVI: los patagónicos y los andinos. Entre los primeros se cuentan los tehuelches, rehuelches, rampas, matacos y guaycurúes. Los dos últimos constituyeron civilizaciones agrícolas con asentamientos estables. Los primeros eran cazadores y recolectores nómadas. En general los patagónicos se asentaron al sur, centro y norte del país. Los grupos andinos principales fueron los rehuenches antiguos, rehuelches algarroberos, huerpes, diaguitas, capayanes, omahuacas y patamas. Del contacto con los incas perfeccionaron su agricultura, inclusive en terrazas y con riego artificial. Criaban llamas y comerciaban en el noroeste y oeste del país.

En los siglos XVII y XVIII, empujados por la conquista española, los araucanos procedentes de Chile emigraron hacia la región centro y suroeste de la actual Argentina, con la consiguiente "araucanización" (mapuches) de los habitantes de la región.

Las exploraciones organizadas por España en el siglo XVI llevaron a Américo Vespucio, en 1502, y a Juan Díaz de Solís en 1516, a internarse en el estuario que bautizaron Río de la Plata, en honor al metal que buscaban y no encontraron. En 1526, Sebastián Gaboto fundó un fuerte a orillas del río Carcaraná, que sería el primer establecimiento en lo que es actualmente la Argentina.

Para frenar el avance portugués, España envió a la región a Pedro de Mendoza, previo contrato que establecía privilegios políticos y económicos al conquistador. En 1536, de Mendoza fundó Santa María del Buen Aire, pequeño poblado, que en 1541 fue desalojado al no poder resistir el asedio indígena.

Tomando a Asunción como foco colonizador, los españoles fundaron diversas ciudades en la Argentina, (Santiago del Estero, Córdoba, Santa Fe), hasta llegar a la segunda fundación de Buenos Aires, que tuvo lugar en 1580. Este puerto pronto se transformó en el centro estratégico, político y comercial de España en la región.

En 1776 fue creado el Virreinato del Río de la Plata, con capital en Buenos Aires, que abarcaba los actuales Chile,Bolivia, Paraguay, Argentina y Uruguay. Una fuerte burguesía comercial porteña, favorable al libre comercio, fue la generadora del movimiento revolucionario de 1810, que creó las Provincias Unidas del Río de la Plata y destituyó al Virrey, acusándolo de falta de fidelidad a la península, a la sazón ocupada por las tropas napoleónicas. Las Provincias Unidas del Río de la Plata optaron por la independencia recién en 1816, cuando el restaurado monarca español Fernando VII y su partido servil evidenciaron ser incompatibles con el liberalismo institucional y comercial al que aspiraba la Junta de Gobierno de Buenos Aires.

El general José de San Martín organizó los ejércitos que derrotaron a los realistas y contribuyeron decisivamente a la independencia de Chile y Perú. En ese mismo periodo, las Provincias Unidas cayeron en la órbita de Inglaterra, compradora de cueros vacunos y abastecedora de manufacturas, lo que al cabo de dos décadas arrasó la artesanía del interior, en beneficio de la oligarquía intermediaria portena. En 1829 asumió el poder Juan Manuel de Rosas, quien concilió los intereses contrapuestos del puerto y del interior mediante una ley de aduanas y otras restricciones a la penetración de productos provenientes de Francia e Inglaterra. Debió sufrir agresiones militares de ambas potencias, que bloquearon el puerto de Buenos Aires para doblegar al gobierno, pero cayeron derrotadas. Fueron los primeros intentos de integrar Argentina al mercado internacional. Ese objetivo se logró luego de la denominada "Guerra Grande" (librada en Argentina y Uruguay entre 1839-52), que involucró a Argentina, Uruguay y Brasil, con la intervención directa de Inglaterra y Francia.

Finalizada la guerra, comenzó la fase de acomodamiento técnico al mercado internacional. Mientras ferrocarriles y puertos aseguraban la transferencia de riqueza hacia Londres, se completaba la ocupación del territorio mediante el exterminio de los indígenas de la Patagonia y el Chaco, y se producía la inmigración masiva de mano de obra europea, sobre todo española e italiana.

La crisis mundial de 1929 puso en evidencia el agotamiento del esquema agroexportador. Las clases dominantes que derrocaron a Yrigoyen mantuvieron la relación con Gran Bretaña reafirmando sus privilegios en todos los sectores de la economía, en tanto que las mayorías desposeídas veían agravada su situación.

La Segunda Guerra Mundial favoreció una rápida industrialización sustitutiva de importaciones. Una alianza entre la burguesía, el proletariado y las fuerzas armadas ocupó entonces la escena política. La movilización popular del 17 de octubre de 1945 fue parte del proceso que llevó a la presidencia en 1946 al entonces coronel Juan Domingo Perón. Su gobierno nacionalizó el comercio exterior, la banca, los ferrocarriles, el gas y los teléfonos; incrementó la flota marítima y creó la aérea; elevó a 50% la participación de los trabajadores en el ingreso nacional y dictó una avanzada legislación social. Además organizó a obreros y patrones en confederaciones nacionales, con las que negoció la política económico-social. En el plano externo impulsó una "tercera posición" entre los bloques en pugna en plena guerra fría. Su esposa Eva Perón fue un nexo excepcionalmente carismático entre el presidente y los trabajadores e influyó en la conquista del voto femenino.

Los intereses norteamericanos fueron factor decisivo en el golpe de Estado de 1955. El dictador militar Pedro Aramburu repudió la posición tercerista de Perón y abrazó la Doctrina de la Seguridad Nacional, delegando en Estados Unidos la defensa de la región contra "los enemigos de la democracia". Esta llamada "revolución libertadora" intentó regresar al modelo anterior a 1945, pero con Estados Unidos ocupando el lugar de Inglaterra. Impuso la redistribución regresiva del ingreso y fusiló a militares y civiles opositores en la Operación Masacre de 1956, que inició una sucesión de décadas de violencia política.

El estancamiento resultante fue causa de conmociones sociales entre las que descolló el "cordobazo" de 1969, encabezado por la CGT de los Argentinos, del peronista Raimundo Ongaro, el radical Antonio Scipione y el marxista Agustín Tosco. Esta insurrección y el surgimiento de la guerrilla sepultaron el proyecto de la "Revolución Argentina" entre los propios militares. El general Agustín Lanusse asumió la presidencia en 1971 y anunció la convocatoria a elecciones, pero prohibió la candidatura de Perón, exiliado en Madrid.

El 25 de marzo de 1976, el gobierno de "Isabelita" fue depuesto por una Junta Militar encabezada por el general Jorge Videla. Los militares suspendieron todas las garantías, desataron una ola de secuestros y asesinatos y crearon la ominosa figura del "desaparecido". Las organizaciones defensoras de los derechos humanos denunciaron la existencia de más de 25.000 desaparecidos y elaboraron una lista documentada con más de 7.000 casos, de los cuales 80% fueron detenidos por fuerzas de seguridad, ante testigos, y su destino nunca se supo con certeza. Un documento de las fuerzas armadas declaró en 1983 que los desaparecidos debían considerarse muertos en enfrentamientos contra efectivos antiguerrilleros.

En la OEA, 17 países reconocieron los derechos argentinos sobre las Malvinas y votaron contra Washington por su apoyo a la agresión extracontinental, violatoria del Tratado Interamericano de Asistencia Recíproca (TIAR).

Luego de la destitución de Galtieri se produjeron purgas parciales en los altos mandos de las tres armas; la Junta convocó a elecciones generales para el 30 de octubre de 1983 y el Ejército designó al general retirado Reynaldo Bignone para ejercer la presidencia hasta la entrega del gobierno, prevista para el 30 de enero de 1984.

El nuevo gobierno buscó dar un combate frontal a la inflación que había alcanzado índices desastrosos: 688% al finalizar 1984. En 1985 pareció estabilizarse una tendencia de 25% mensual. Las reducciones del gasto público, que arrojaba un déficit de 70 millones de dólares anuales, fueron espectaculares en algunos rubros. El presupuesto de las fuerzas armadas, por ejemplo, pasó a representar 18% del erario frente a 30% anterior. Mientras tanto, el capital financiero consiguió ganancias superiores a las obtenidas en cualquier parte del mundo.

A mediados de junio de 1985, las autoridades lanzaron el llamado Plan Austral que congeló precios, tarifas de servicios y estableció una nueva moneda, el austral, vinculada al dólar.

Las revelaciones emanadas de los estudios de la CONADEP (Comisión Nacional sobre Desaparición de Personas) siguieron detonando horrores durante el juicio público a los nueve comandantes en Jefe de la dictadura, a quienes se acusó de haber ordenado los crímenes en ese período. La condena a varios altos dirigentes militares -incluso el ex presidente Videla- y la posterior extensión de los juicios a militares de menor graduación motivaron fuertes presiones en el ámbito militar. Durante la Semana Santa de 1987 algunas unidades se acuartelaron para reclamar el fin de los juicios a los militares y amnistía para los condenados. Aunque los rebeldes constituían un grupo minoritario, la disposición de las fuerzas "leales" a reprimirlos fue puesta en duda.

En el verano de 1988 se produjo un segundo levantamiento militar, aunque de menor relevancia, en la localidad correntina de Monte Caseros. Su cabecilla, el teniente coronel Aldo Rico, fue procesado y posteriormente separado del Ejército. En el invierno del mismo año el coronel Mohamed Alí Seineldín encabezó la tercera insurrección militar. El propósito manifiesto de los amotinados era dirimir una cuestión interna del Ejército, fracturado entre un sector "nacionalista" - que respondía a Seineldín - y otro "liberal", que acataba los mandos de la institución. Si bien ambos episodios fueron superados, la fractura interna se mantuvo.

En febrero de 1989 un grupo armado del Movimiento Todos por la Patria - que hasta ese entonces actuaba en la legalidad -, atacó un cuartel del Ejército en el cono urbano bonaerense al parecer con la intención de evitar un golpe militar. La represión fue desproporcionadamente violenta y los sobrevivientes recibieron severas condenas. Algunos detenidos que se rindieron fueron fusilados y otros "desaparecidos".

Durante la Guerra del Golfo, el gobierno argentino envió tropas a la región para sumarse a la coalición antiiraquí comandada por EEUU, eludiendo la aprobación parlamentaria. En 1991, Argentina anunció su abandono del Movimiento de Países No Alineados y en los primeros meses de 1992, el país se sumó a Estados Unidos en la condena a la situación de los derechos humanos en Cuba rompiendo una posición tradicional de no injerencia.

Desde el comienzo, el gobierno de Menem se vio rodeado de escándalos. Varios de sus asesores más cercanos tuvieron que abandonar sus puestos luego de ser acusados de lavar dinero del narcotráfico o recibir sobornos para favorecer a empresas en la concesión de licitaciones o privatizaciones.

A pesar de la corrupción, Menem mantuvo su imagen a salvo del desprestigio y en las elecciones para gobernadores y legisladores provinciales realizadas en 1991, el Partido Justicialista logró retener 13 de las 23 provincias, mientras en cuatro ganaron los radicales y en seis los partidos locales. A nivel nacional 40% de los votos fueron para el oficialismo, 7% menos que los obtenidos en 1989.

Este éxito político fue atribuido a la estabilidad económica lograda por el Plan de Convertibilidad, que redujo drásticamente el gasto público y estableció la paridad entre la nueva unidad monetaria -el peso- y el dólar norteamericano. La inflación bajó y alcanzó mínimos históricos: en 1993 fue de 7,4%.

El año 1995 comenzó con la amenaza del impacto de la crisis mexicana. El ministro de Economía Domingo Cavallo se apresuró a realizar recortes presupuestarios y aplicar medidas de austeridad. En su discurso del 1ero de mayo, el presidente Menem se comprometió a reducir el desempleo a la mitad mediante un plan de inversiones públicas a cinco años que crearía 300.000 puestos de trabajo.

En las elecciones del 14 de mayo, Menem resultó reelecto con 50% de los votos, en tanto que el ex peronista y candidato del Frepaso José Bordón obtuvo 29% y el radical Horacio Massaccesi 17%.

A mediados de 1996 los desempleados superaron los dos millones, y los subocupados el millón y medio de personas, de acuerdo a las estadísticas oficiales. La desocupación alcanzó un promedio nacional de 17,1%, y superó el 20% en algunas provincias. Los economistas del gobierno admitieron que el desempleo se instaló en el país de forma estable.

La deuda externa registraba entonces un crecimiento de 57% con relación a la existente en 1991, al comienzo del plan antiinflacionario aplicado por el gobierno. En el primer trimestre de 1996, cuando la deuda del sector público alcanzó el tope previsto para todo el año, Menem destituyó al ministro Cavallo. El nuevo titular de Economía, Roque Fernández, doctorado en Chicago, se declaró decidido a mantener la política de su predecesor, superar el déficit fiscal, el desempleo y la recesión, así como a renegociar las metas económicas con el FMI.

El asesinato de José Luis Cabezas, fotógrafo de una revista crítica del gobierno, puso una nota de tensión a fines de enero de 1997. El gobernador de la provincia de Buenos Aires, Eduardo Duhalde, ofreció una fuerte recompensa para quien aportara datos sobre el o los asesinos y llegó a convocar a fuerzas del FBI estadounidense para la investigación.

Las primera pistas, que llevaron a pensar que agentes de la propia Policía Federal pudieran estar implicados en el caso, fueron desestimadas a medida que se fortalecía la hipótesis de que Cabezas hubiera sufrido represalias por su investigación sobre las actividades del empresario Alfredo Yabrán. La primera persona en acusar a Yabrán de estar vinculado a negocios turbios la había planteado Cavallo mientras era ministro de Economía.

En abril y mayo los gremios de la educación realizaron importantes protestas en Buenos Aires y varias provincias del interior. En una de estas demostraciones, en la provincia de Nuequén, la policía hirió de muerte a una mujer.

 

PINTURA

A partir de la segunda década del siglo XX, la pintura argentina desarrolló escuelas y pintores e relevancia internacional, con exponentes como Antonio Berni (1905-1981), Raúl Soldi (1905-1994), Roberto Aizenberg (1928-1996) y León Ferrari (n. 1920), este útimo considerado a principios del siglo XXI, como uno de los cinco pintores vivos más importantes del mundo.

 

Antonio Berni

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Antonio Berni nació en Rosario en 1905 y murió en Buenos Aires en 1981. Durante sesenta años se dedicó a la pintura convirtiéndose en uno de los artistas más importantes de la Argentina y de América latina. Fue pintor, grabador, dibujante, muralista, ilustrador, realizó objetos e instalaciones.

Sus padres eran de origen italiano y habían llegado a la Argentina junto con otros miles de inmigrantes. Berni fue un niño prodigio que a los catorce años presentó su primera exposición. Dedicado a pintar paisajes y retratos, realiza tres exposiciones consecutivas y la crítica escribe con entusiasmo sobre sus trabajos. En 1923 expone por primera vez en Buenos Aires y en 1924 comienza sus envíos de obras al Salón Nacional de Bellas Artes que era entonces el concurso público más importante que había en el país para pintores y escultores. Para los artistas argentinos, desde fines del siglo XIX, era fundamental, después de estudiar en la Argentina, perfeccionar el oficio viviendo durante algún tiempo en París o Roma. Se trataba de completar lo aprendido en nuestro país y establecer contacto con lo que pasaba en otras partes del mundo.


El principal descubrimiehto para Berni en esos años fue la relación entre el arte y la política, el rol del artista como hombre de su tiempo y como actor social. Berni se acerca al comunismo y desde su interés por la política asume el compromiso de reflejar en sus cuadros la realidad del mundo que le toca vivir. Desde entonces, para él, la pintura será su manera de reflexionar sobre la realidad y de intentar transformar el mundo marginal de los trabajadores.


Al mismo tiempo, conoce una de las vanguardias artísticas más importantes de aquel momento: el surrealismo, y adhiere durante algunos años a sus postulados. Los surrealistas buscan liberar la imaginación y las fuerzas del inconsciente como en los sueños; tratan de expresar la vida interior del artista sin que intervenga la razón y sus
imágenes, en lugar de ser similares a la realidad, son lo más inconexas posibles entre sí. Ellos reúnen imágenes imposibles de ver juntas en la realidad y alteran los tamaños de los objetos y los ponen en escenarios en los que nosotros, espectadores, no podemos encontrar explicaciones racionales. Por ejemplo, en elóleo de Berni "La puerta abierta", el muro, la puerta, la llave y el alfiler de ganchos gigantescos, los cubos de colores, la cerradura fuera de lugar, el timbre y la letra "T", todas son piezas de un rompecabezas misterioso para inventar historias.

En 1930, Berni regresa a Rosario, junto con su mujer, la artista francesa Paule Cazenave y su hija Lilí. Sigue pintando, exponiendo y participando de los salones de bellas artes y trabaja como empleado en la municipalidad.

Son años muy difíciles en el mundo después de la caída del sistema financiero, conocido como la crack de 1929, y en la Argentina el golpe militar de 1930 había derrocado el gobierno constitucional de Hipólito Yrigoyen. Las.huelgas, la creación de la Central Obrera, la desocupación, el fraude electoral, el avance del fascismo y las persecuciones políticas marcaron el contexto en el que la pintura de Berni se transforma. Su imagen surrealista cambia en cuadros de grandes dimensiones con multitudes de obreros y campesinos, extremadamente realistas en sus descripciones. Berni está utilizando la fotografía como documento para tomar las poses y los retratos de sus personajes. Berni escribe sobre el Nuevo Realismo, una pintura que debe reinterpretar la realidad social, política y económica de nuestro tiempo. En 1934 pinta sobre arpillera y con témpera "Desocupación" y "Manifestación".
Esta responsabilidad del artista como protagonista de su época es una posición que Berni comparte con otros artistas de Latinoamérica, especialmente con los famosos muralistas mexicanos. Precisamente, en 1933 llega de visita a la Argentina uno de ellos, David Alfaro Siqueiros, con quien Berni trabaja y discute sobre la función del arte en la revolución de las clases populares.
Desde 1936, el artista vive en Buenos Aires y, en los próximos años, obtiene algunos de los ptincipales premios de su carrera, como el Premio Adquisición en el Salón Nacional de Bellas Artes de 1943. Al mismo tiempo está dando clases en la Escuela Preparatoria de Bellas Artes, realiza exposiciones, participa de muestras argentinas en el exterior, da conferencias y escribe artículos, recorre el país y viaja por América latina, pinta murales en el Teatro del Pueblo, la Sociedad Hebraica Argentina y la conocida cúpula de las Galerías Pacífico.

En esos años trabaja con temas populares como el "Mercado de Jujuy", el equipo de fútbol del barrio en el "Club Atlético Nueva Chicago" y la orquesta de tango en "Orquesta típica". Berni construye escenas características de las diferentes regiones y culturas de la Argentina. La vida en las ciudades y la vida en el campo, los barrios de Buenos Aires
y la realidad de las provincias. Su compromiso político se manifiesta también en las pinturas realizadas en Santiago del Estero y el Chaco, sobre los obrajes, los peones industriales y los cosecheros golondrinas. En 1950, Bemi se separa de Paule y se casa con Nélida Gerino y en 1952 nace su segundo hijo José Antonio.

Desde principios de los años sesenta, Antonio Bemi trabaja en una serie nueva. Las obras dedicadas a Juanito L.aguna y Ramona Montiel, dos personajes inventados por él para utilizarlos como símbolos de la niñez explotada en América latina, especial-mente en las grandes ciudades como Buenos Aires, Lima, Río de Janeiro y México.
Se trata de dos habitantes de las villas miserias, esos asentamientos suburbanos surgidos alrededor de los centros industriales en los países en de-sarrollo, con sus casas precarias y sus habitantes sumergidos en la pobreza y el desamparo.
Juanito Laguna es un niño que vive en una de esas villas miserias y Berni pinta su vida cotidiana, sus juegos, su familia: Juanito mirando la televisión, Juanito remontando su barrilete, Juanito en la laguna, Juanito en navidad, Juanito yendo a la ciudad, Juanito llevándole la comida a su padre obrero metalúrgico. Ramona Montiel es la chica de la villa miseria convertida en prostituta para poder sobrevivir; Ramona aparece rodeada de los hombres que la explotan, Ramona como costurera, Ramona trabajando en el cabaret, Ramona y la adivina, Ramona y su casamiento. 
Ramona esperando en la Panamericana.

Para estas obras Berni utiliza una técnica inventada a principios de siglo: el collage, el agregado a la pintura de materiales reales que son pegados sobre el cuadro. El artista utiliza un abundante collage transformando sus imágenes en superficies cargadas de elementos como latas, plásticos, hierros, maderas, telas, zapatos, juguetes, papeles, señales de tránsito, etc. La idea es incorporar los desechos que el artista recolecta en los barrios marginales de Buenos Aires donde podrían vivir Juanito y Ramona. Los cuadros y sus personajes están construídos con los mismos materiales reales que se encuentran en las villas. Para Bemi la pintura al óleo no es suficiente para expresar su crítica frente a la sociedad de consumo, es necesario utilizar los objetos reales de la vida de Juanito y de Ramona, llevándolos al ámbito del arte y transformando lo culto y exclusivo del arte en algo cotidiano y popular.
Con su ciclo de Juanito Laguna y Ramona Montiel, Antonio Bemi desarrolló hasta los años ochenta, uno de los capítulos más originales de la historia del arte argentino y concluyó su tarea como uno de los artistas claves de la cultura argentina.

Raúl Soldi

Inició sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes, y en el año 1921 viaja a Europa. Estuvo en Alemania hasta 1923 en que se translada a Italia, ingresando en la Real Academia de Brera (Milán) donde permaneció hasta el año 1932.
En Italia se relaciona con un grupo de artistas de varguardia. En 1933 regresa a Argentina y es becado por la Comisión Nacional de Cultura y recorre Estados Unidos, trabaja como escenógrafo en Hollywood.
Desde 1930 presenta obras en el Salón Nacional de Cultura, y en diversos Salones provinciales, en la Exposición Internacional de París (1937), en Nueva York (1941-1943) y a partir de 1934 comienzan sus muestras individuales.
Los temas que trató son variados, paisajes, retratos, temas relativos al teatro y al circo, naturalezas muertas.
En el año 1953 pinta los famosos frescos de la Iglesia de Santa Ana, de Glew.

1947:
Obtiene el Primer Premio en el Salón Nacional.
1948: Primer Premio de la Bienal de San Pablo.
1951: Premio Palanza otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes, de la que fue miembro.
1960: Mención de Honor en la II Bienal de México.

En 1966 realizó la decoración de la Cúpula del Teatro Colón de Buenos Aires, cuya técnica es la tela pintada al óleo y luego al muro.
Ilustró también libros de poesía.
Sus Obras figuran en muchos Museos, entre ellos, el de Arte Moderno de Nueva York y los de Florencia y Milán.
Fue uno de los artistas argentinos que donó gran parte de su Obra, que sería muy extenso detallar.

En 1968 viaja a Israel, pinta en la Basílica de la Anunciación de Nezardt, un mural inspirado en el milagro de la Virgen de Luján.
El Museo del Vaticano en Roma incorpora en 1987 una obra suya titulada "La Virgen y el Niño" con ésta última suman dos los cuadros que posee la Santa Sede, la anterior se titula "Santa Ana y la Virgen Niña".
A partir de ese último año hasta la fecha de su fallecimiento, realizó varias exposiciones, la más destacada en el Museo de Arte Decorativo. La Galería de Arte Moderno de Milán incorpora a su colección un autorretrato.
Además de su talento, el destino le había reservado otros privilegios, haber conocido en la vida la fama y la gloria y participar en 1993, un año antes de su fallecimiento, de una mega exposición que mostró en el Salón Nacional de Exposiciones "Palais de Glace" la maravilla de su obra, convocando a millares de visitantes que disfrutaron incansablemente el refinado e incomparable espectáculo de su obra.
Quizá nada más justo, que también él pudiera llevar en su retina, semejante acontecimiento.

"Desnudo con palomas"

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"Desnudo con palomas"
Oleo (Oil colors on canvas)
100 x 70cm.(39,37x27,56)
Año 1957

"Sarita"

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"Sarita"
Oleo (Oil colors on canvas)
70x123cm. (29,13"x48,42")
Año 1947

"El beso"

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"El beso"
Oleo (Oil colors on canvas)
90x152cm.( 35,43"x59,84
Año 1960

"El Tango en Paris"

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"El Tango en Paris"
Óleo s/papel (oil on paper )
35x80cm (13,78"x31,49")
Año 1963



 

2do VIAJE A MEXICO

Frida Kahlo

1907 - 1954 (Coyoacán, México)

frida-kahlo.jpg Frida image by chiny100

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nace en el barrio de Coyoacán, entonces en las afueras de la Ciudad de México el 6 de julio de 1907. Fue la tercera hija del matrimonio de Guillermo Kahlo y Matilde Calderón. En el año de 1913 sufre de un ataque de poliomielitis que le afecta la pierna derecha. Inicia sus estudios en la Escuela Nacional Preparatoria en el año de 1922, que es dónde observa a Diego Rivera pintar su mural "La Creación". Es durante esa época que toma algunas clases de grabado con el maestro Fernando Fernández.

El 17 de septiembre de 1926, sufre un terrible accidente, cuando viajando en un autobús este es colisionado por un tranvía. El resultado fue rotura de la columna vertebral en tres sitios, así como la clavícula, tres costillas, la pierna y el pie derecho. Un tubo le atraviesa la cadera hasta el sexo produciéndole una triple fractura de la pelvis que le impediría tener hijos. Ese accidente la marcaría para toda su vida, habiendo sido su manantial de horrores físicos y en muchos momentos, origen de la tragedia reflejada en su obra artística.

Durante la convalescencia es cuando empieza a pintar sus primeras obras: son retratos oscuros, de formas rígidas y convencionales. Posteriormente ya con Diego Rivera, perfeccionaría su técnica pictórica.

Se reencuentra con Diego Rivera, cuando éste regresa de Rusia en 1927 pintando los frescos de la Secretaría de Educación, le lleva sus primeros cuadros y el pintor muestra interés por la artista y su obra; dos años más tarde se casaron. Ella tenía 22 años y él 43.

LAS DOS FRIDAS

Frida y Diego viven en Cuernavaca mientras el artista realizaba el mural del Palacio de Cortés. Posiblemente es en esa época que sufre su primer aborto.

Posteriormente la pareja se marcha a los Estados Unidos, estancia que se inicia en San Francisco y después en Detroit, para finalmente instalarse en Nueva York. Es en esa ciudad que realiza su obra "My dress hanging there", cuadro que preludia la obra contundente llena de símbolos que realizaría posteriormente. La influencia de los exvotos, lo popular, lo religioso y los símbolos mexicanos sellarían su obra.

En 1934 regresan a México y se instalan en el estudio de la calle de Altavista construido por Juan O'Gorman, en San Ángel. Sufre otro aborto y es operada del pie derecho; el proceso de desfiguración de su cuerpo es constante y eso se refleja en las obras que va realizando. Diego Rivera tiene un romance con su hermana, Cristina Kahlo, hecho que la sume en una depresión tremenda. Se separa de Diego y se marcha sola a Nueva York.

Frida y Diego viven en Cuernavaca mientras el artista realizaba el mural del Palacio de Cortés. Posiblemente es en esa época que sufre su primer aborto.

Posteriormente la pareja se marcha a los Estados Unidos, estancia que se inicia en San Francisco y después en Detroit, para finalmente instalarse en Nueva York. Es en esa ciudad que realiza su obra "My dress hanging there", cuadro que preludia la obra contundente llena de símbolos que realizaría posteriormente. La influencia de los exvotos, lo popular, lo religioso y los símbolos mexicanos sellarían su obra.

En 1934 regresan a México y se instalan en el estudio de la calle de Altavista construido por Juan O'Gorman, en San Ángel. Sufre otro aborto y es operada del pie derecho; el proceso de desfiguración de su cuerpo es constante y eso se refleja en las obras que va realizando. Diego Rivera tiene un romance con su hermana, Cristina Kahlo, hecho que la sume en una depresión tremenda. Se separa de Diego y se marcha sola a Nueva York.

Frida regresa a México para continuar con su obra y es en 1937 cuando León Trotsky y su esposa Natalia llegan a México; Frida va sola a recibirlos al Puerto de Tampico. Se instalan en su casa de Coyoacán, conocida como la Casa Azul. Ese año es uno de los más prolíficos deFrida Kahlo, produciendo obras como "Mi nana y yo", "El difunto Dimas", "Mis abuelos, mis padres y yo", así como varios autorretratos. Su problema con la bebida se hace evidente.

1938 es el año en que llega a México André Breton, con una mirada predispuesta a encontrar el surrealismo en este país, y con Frida no es la excepción; inmediatamente la circunscribe como parte de la esencia del movimiento surrealista y le escribe el ensayo "Un listón de seda alrededor de una bomba". Esta etiqueta de surrealista a la obra de Frida Kahlo, es una de las 'equivocaciones' que se han continuado entre el público masivo con respecto a su clasificación y entendimiento, baste citar sus propias palabras: "...pensaron que yo era surrealista, pero no lo fui. Nunca pinté mis sueños, sólo pinté mi propia realidad".

LA COLUMNA ROTA

Es en ese año en que realiza su primera exposición individual en la Julien Levy Gallery en Nueva York. Vive un romance con el fotógrafo Nicholas Muray. Al año siguiente viaja a París para presenciar la exposición "Mexique" que André Breton organiza con obras prehispánicas, exvotos, fotografías de Manuel Álvarez Bravo y 18 cuadros de la propia Frida. Las relaciones con Diego se deterioran cada vez más hasta llegar al divorcio.

En 1940 participa en la Exposición Internacional del Surrealismo en la Galería de Arte Mexicano con sus obras "Las dos Fridas" y "La mesa herida". Su depresión por la ausencia de Diego y su problema con la bebida se hacen muy intensos. Pinta su obra "Autorretrato con pelo cortado", obra que produce en Diego la frase 'mira que si te quise fue por tu pelo...'. El 21 de agosto de ese año, muere León Trotsky en su casa de Coyoacán. Su admiración por Trostky la había llevado a tener un romance con él; el hecho del asesinato la sume aún más en la depresión. Vuelve a viajar a Estados Unidos para recibir tratamiento médico. Expone en San Francisco en la Exhibición Internacional Golden Gate y en Nueva York en la exposición "Veinte Siglos de Arte Mexicano". Hacia finales de 1940 se vuelve a casar con Diego.

Regresan a México en 1941, y pinta varios autorretratos y exhibe en el Boston Institute of Contemporary Arts.

El año de 1942 marca el inicio de su Diario, páginas que contienen diversos apuntes de dibujo, declaraciones de amor a Diego, frases que remarcan su soledad, su cuerpo torturado, su visión del mundo, la tierra y la vida. Participa en la fundación del Seminario de Cultura Mexicana, y expone en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Expone en diversas muestras tanto en México como en Estados Unidos y es nombrada maestra de la Escuela de Pintura y Escultura "La Esmeralda" de la Secretaría de Educación Pública en el año de 1943. En ese mismo período se estrenan las pinturas en la Pulquería La Rosita en Coyoacán, realizadas por sus alumnos de la Esmeralda, conocidos como Los Fridos. En octubre Diego Rivera publica un artículo sobre Frida intitulado "Frida Kahlo y el Arte Mexicano" en el Boletín del Seminario Mexicano de Cultura; este artículo es un recorrido por la historia, la sociedad y el arte de México hasta llegar a Frida, declarando casi al final del ensayo '... para Frida lo tangible es la madre, el centro de todo, la matriz; mar, tempestad, nebulosa, mujer'.

AUTERRETRATO CON MONOS

De 1944 a 1949 pinta y participa en diversas exposiciones nacionales e internacionales; igualmente continúa con su diario y escribe el ensayo "Retrato de Diego"; pinta "Diego en mi pensamiento" y "Diego y yo" obras que son emblemáticas deFrida. Recibe en esos años un Premio de la Secretaría de Educación Pública y sus alumnos decoran los muros de los lavaderos públicos de Coyoacán.

En 1950 es internada durante nueve meses en un hospital debido a un infección producto del injerto de hueso que le realizan cuatro años atrás en la columna vertebral. Continúa allí con su cuadro "Mi familia" que deja inconcluso. Al año siguiente pinta su "Autorretrato con el Dr. Juan Farill", varias naturalezas muertas, y el "Retrato de mi padre Wilhelm Kahlo".

En 1953 lleva a cabo su única exposición individual en México en la Galería de Arte Contemporáneo dirigida por Lola Alvarez Bravo. Después de muerta vendrían numerosas más.

Es internada para la amputación de la pierna derecha por gangrena. Expone en el British Art Council.

1954, pinta su cuadro "Sandías con leyenda: Viva la vida". Ingresa al hospital dos veces más y convaleciente de bronconeumonía asiste a una marcha en protesta por el golpe de estado contra Guatemala. Once días después, el 13 de julio de 1954 muere Frida Kahlo en su Casa Azul de Coyoacán.

Frida Kahlo, por el destino, creadora de su propio personaje, sujeto de su propia obra, obra que la coloca como una de las artistas pilares del arte mexicano de todos los tiempos.

Tres años después, muere Diego Rivera. La voluntad de Diego era que sus cenizas permanecieran en la misma urna de las de Frida en su casa de Coyoacán, fue contrariado y sus restos se encuentran en La Rotonda de los Hombres Ilustres, en la Ciudad de México.

 

VIAJE A MEXICO

UN POCO DE HISTORIA

Bandera de México

Con 20.000 años de evolución histórica y dos milenios de vida urbana, en el territorio del actual México, los mesoamericanos desarrollaron civilizaciones avanzadas, como la olmeca, la teotihuacana, la maya y la mexica, que alcanzaron considerables logros en las artes, la ciencia y la técnica, y elaboraron complejas formas de organización política y social.

Al llegar los españoles, a comienzos del siglo XVI,Moctezuma II, emperador de los aztecas (mexicas), reinaba sobre un imperio del tamaño de la Italia moderna, cuya capital era Tenochtitlan, la actual ciudad de México. En 1521 se consumó la conquista, en gran medida por la habilidad con que el aventurero español Hernán Cortés aprovechó las tensiones entre los aztecas y los pueblos que les pagaban tributos, alentando sus luchas, para terminar sometiendo a unos y otros. A partir de entonces se inició un proceso de cristianización e hispanización de los indígenas.

En el siglo XVII se definieron las principales estructuras económicas de la Nueva España. Surgió la hacienda como unidad productiva básica y la minería se convirtió en el centro de la economía colonial, que cubría las necesidades de oro y plata de la metrópoli. La población indígena fue explotada y diezmada por el trabajo y las pestes. Hacia 1800, México se había convertido en uno de los países más ricos del mundo; un país de "mucha riqueza y máxima pobreza".

Después de casi tres siglos de dominación colonial, en 1810 se inició la lucha independentista, dirigida principalmente por criollos, descendientes de españoles. Entre ellos se destacaron los curas Miguel Hidalgo y José María Morelos. El movimiento se transformó en causa popular y nacional, al incorporarse indígenas y mestizos a las filas rebeldes. Fue aplastado por los ejércitos reales.

México era entonces el más extenso de los países hispanoamericanos, con una superficie de 4,6 millones de km2, lo que incluía las provincias centroamericanas, pero también con enormes problemas económicos, políticos y sociales.

México sufrió las agresiones de España, Francia y Estados Unidos en los primeros años de vida independiente.

Entre 1821 y 1850 el país tuvo cincuenta gobiernos distintos. La inestabilidad no logró superarse con la primera contienda electoral. Como en muchos estados latinoamericanos, la burguesía mexicana se dividió en dos partidos, el liberal y el conservador.La victoria de los liberales en 1857 consolidó la república y sentó las bases de laicidad y libre acción económica; implantó garantías individuales y expropió los bienes del clero. Pero los conservadores, con el apoyo de la iglesia, se levantaron en armas y el país se sumió en la guerra llamada de Reforma.

En 1861 Juárez triunfó y restableció la unidad nacional. Pero su decisión de suspender el pago de la deuda pública provocó la intervención armada de Francia, Inglaterra y España. Estos últimos se retiraron, pero los franceses implantaron una monarquía, en un intento de contrapesar la influencia norteamericana en la zona.Maximiliano, archiduque de Austria, fue coronado emperador. La resistencia patriótica pronto reconstruyó los ejércitos republicanos y restauró a Juárez en el gobierno, en 1867.

En 1871 apareció el periódico "El Socialista", dirigido por el obrero tipógrafo Juan de Wata Rivera. El 10 de setiembre este periódico publicó, por primera vez en América Latina, los estatutos generales de la Primera Internacional. En 1876 el general Porfirio Díaz, quien militó en las filas liberales contra la intervención francesa, tomó el poder y lo ejerció hasta 1911. Durante esos 35 años de dictadura, el país abrió sus puertas a los capitales extranjeros, se modernizó la economía y se acentuaron las desigualdades sociales.

En 1910 se inició la Revolución Mexicana en torno a las consignas de "sufragio efectivo y no reelección", con la dirección de Francisco Madero. Fue la primera revolución del siglo y de América Latina que, siendo popular, alcanzó el poder. En 1913, con la decisiva participación del embajador norteamericano Henry Lane Wilson, se organizó una conjura que terminó con el asesinato de Madero. La lucha armada tomó nuevo vigor en torno a los líderes Emiliano Zapata y Pancho Villa. Los principios de la Revolución fueron consagrados en la Constitución de 1917, promulgada por Venustiano Carranza, la más avanzada del mundo en su época y aún vigente. Pero la lucha armada entre las distintas fracciones revolucionarias continuó y en ella murieron los principales caudillos.

Las condiciones de la Segunda Guerra Mundial operaron como catalizador de la primera fase de la industrialización mexicana, que alcanzó un ritmo febril durante la presidencia de Miguel Alemán (1946-1952). Las transformaciones de este período alteraron el viejo equilibrio social: México seguía siendo predominantemente rural, pero ahora las ciudades concentraban el 40% de la población, todo esto en el marco de una explosión demográfica que el rápido desarrollo no logró absorber. Pero, además, la propiedad comunitaria de la tierra, que engendró en buena medida la conciencia revolucionaria del campesino, perdió terreno frente a un nuevo tipo de explotación individual, con una tendencia a reconstruir los grandes latifundios. Así, se consumó la paradoja de que el México socialista de los profetas de 1910 era, en la década de 1950, la nación latinoamericana que mejor se adaptaba al renovado capitalismo de posguerra.

En la década siguiente, los herederos de Cárdenas -aunque no muy fieles a la integridad de las propuestas- lograron estabilizar los factores determinantes del éxito mexicano que, aunque relativo, sirvió para diferenciarlo en un continente postrado por el subdesarrollo y el estancamiento: una fuerte intervención estatal en la economía, alto volumen de inversiones públicas, equilibrio entre la industria liviana y la pesada, y el turismo. Y, fundamentalmente, la estabilidad institucional en torno a un partido gobernante convertido en el único cauce donde los mexicanos podrían volcar sus inquietudes políticas, con serias posibilidades de verse concretadas y no frustradas. Un cauce muy amplio que recogía vertientes campesinas, obreras, militares, de pequeños y medianos propietarios, tecnócratas, prácticamente todas las vertientes, excepto la iglesia y los terratenientes de viejo cuno.

En el marco de las Olimpíadas realizadas en México en 1968, el movimiento estudiantil organizó protestas denunciando la situación social del país. Una manifestación estudiantil, en la Plaza de las Tres Culturas, también llamada plaza de Tlatelolco, fue reprimida a balazos por el ejército, que había ocupado puntos estratégicos y tenía orden de tirar a matar. Cientos de muertos y heridos hicieron tristemente famosa a la que se conoce como "Matanza de Tlatelolco".

Durante la presidencia de José López Portillo (1976-1982) se descubrieron muy importantes yacimientos petrolíferos, que estrecharon la dependencia de México respecto de Estados Unidos. El país pasó a ser el primer proveedor de petróleo de su vecino del norte.

BaJo la presión de la deuda externa, se acentuaron las tendencias de 1983: inflación creciente, pérdida de salario real, reducción de gasto público, deterioro de la producción y aumento del desempleo.

El 6 de julio de 1988 se realizaron elecciones nacionales con participación significativa de varios partidos, cosa que no ocurría desde 1910. Resultó ganador Carlos Salinas de Gortari, candidato del Partido Revolucionario Institucional (PRI), que según datos oficiales obtuvo 50% de los votos (el porcentaje más bajo de su historia). La izquierda por primera vez se presentó como una alternativa real ante la hegemonía oficial del PRI.

En 1989 el FDN se dividió y Cárdenas fundó el Partido de la Revolución Democrática, compuesto por ex integrantes del PRI, comunistas y algunas organizaciones más pequeñas, mientras que el Partido Popular Socialista (PPS), el Partido Auténtico de la Revolución Mexicana (PARM) y el Partido del Frente Cardenista de Reconstrucción Nacional (PFCRN) se mantuvieron como organizaciones autónomas que llegaron a votar con el PRI en el Parlamento.

La nueva administración resolvió abrir el país a las inversiones extranjeras y tomar una serie de medidas destinadas al control de la inflación, lo cual fue recibido con beneplácito por el gobierno estadounidense. México inició contactos con EEUU para firmar un tratado de libre comercio, coincidiendo con la entrada del país al GATT y la autorización de inversiones extranjeras en empresas mexicanas, más allá del 49% estipulado por las leyes del país. En mayo de 1990 el presidente Salinas de Gortari privatizó la banca mexicana, que había sido nacionalizada ocho años antes.

El 17 de diciembre de 1992, los gobiernos de México, Estados Unidos y Canadá firmaron el Tratado de Libre Comercio de Norteamérica (TLC). (Ver recuadro en Canadá).

El 1o de enero de 1994 el hasta entonces desconocido Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) tomó tres pueblos en el estado sureno de Chiapas y los declaró "zona liberada". Chiapas era la región donde actuaban con mayor impunidad las guardias paramilitares contratadas por los terratenientes para expulsar a los indígenas de sus tierras. Es uno de los estados con mayor población maya, con predominio del grupo tzotzil.

En setiembre de 1996 los zapatistas acusaron al gobierno de insensibilidad ante sus planteos, arrogancia y racismo, y pusieron fin a 16 meses de conversaciones de paz, en tanto que la Secretaría de Gobernación (un ministerio del interior) declaró que no existían motivos para el cese del diálogo.

 

PINTURA

Rufino Tamayo

1899 - 1991 (Oaxaca, México)

Rufino Arellanes Tamayo. Nació en Oaxaca, Oaxaca,México el 26 de agosto de 1899. En 1907 murió su madre Florentina Tamayo y él quedó al cuidado de su tía Amalia, con quien vivió a partir de 1911 en la capital de la república. En 1917 se inscribió en la Academia de San Carlos, alternando sus estudios con la atención de un negocio de frutas en el mercado de la Merced. Dos años más tarde se dedicó a pintar e investigar por su cuenta.

En 1921 fue designado jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología. En 1925 alquiló su primer estudio en la calle de La Soledad, donde pintó Dos mujeres en la ventana, Paisaje con rocas, Reloj y teléfono, El fonógrafo, Dos ninas mexicanas y Pareja con maguey, y diseño una ex-libris para Jaime Torres Bodet.

En 1926 presentó su primera exposición de pinturas. Ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde expuso sus obras en el Art Center. Regresó en 1929 y fue profesor en la Escuela de Bellas Artes. En 1932 estuvo al frente del Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación Pública. En 1933 realizó un mural en la Escuela Nacional de Música. En los años siguientes expuso en San Francisco, México, Nueva York, Chicago y Cincinnati, y vivió indistintamente en la Brooklyn Museum Art School y pintó el mural de la Hillyer Art Library de Northampton, Massachusetts.

LA GRAN GALAXIA

En 1950 viajó a Europa, a tiempo que se instalaba la Sala Tamayo en la Bienal de Venecia, acontecimiento que despertó el interés de los críticos europeos. A ese acto siguieron las exposiciones en la Knoedler Gallery de Nueva York, la Galerie Beaux Arts de París y el Palais des Beaux Arts de Bruselas.

En septiembre de 1952 recibió el segundo premio de la Pittsburgh Inernational Exhibition y terminó su primer mural en el Palacio de Bellas Artes de México. En 1953 se le otorgó el gran premio de pintura en la II Bienal de Sao Paulo, junto con Alfred Mannesier de Francia. Ese mismo año hizo el mural El Hombre, para el Museo de Bellas Artes de Dallas, y concluyó el segundo en el Palacio de Bellas Artes. Esta composición, al igual que la anterior en el mismo sitio, se refiere al nacimiento de la nacionalidad mexicana y contiene una visión del México del presente. Ambos trabajos fueron hechos con vinylitas sobre tela, técnica que adoptó a partir de entonces, en sustitución del fresco.

EL BEBEDOR FELIZ

Su obra evolucionó de una pintura de pequeñas dimensiones (con un color insensible a las influencias posimpresionistas) a un cromatismo mucho más brillante al servicio de la temática social. Además recuperó la pintura de caballete, que combinó con la pintura mural de carácter social, como La revolución (1938, Museo Nacional de Antropología), tras lo partió a vivir a Nueva York. En obras como Mujeres de Tehuantepec (1939, Galería Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York), dispone las figuras fuertes y monumentales del arte tradicional mexicano en una sutil y compleja composición inspirada en el cubismo francés.

SANDIA

El patrimonio cultural de Monterrey se ha enriquecido con tres grandes obras del creador oaxaqueño: el mural Eclipse total (1978) y los vitrales Homenaje al sol (27 m de alto y 3.5, 1988). De 1981 a 1982 Tamayo fue director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca.

Varias instituciones de enseñanza superior lo han honrado con el título de doctor Honoris Causa: la de Manila, en 1974; la Nacional Autónoma de México, en 1979; y la de San Francisco, Cal. EUA, en 1982. Se le otorgaron, además el Premio Nacional de Artes (1964) y el Colouste Gulbekian, por el Instituto de Artes de París (1969); la Legión de Honor de Francia (1970); el grado de comendador por la República Italiana (1971); la denominación de Hijo Predilecto, por el gobierno de Oaxaca (1972); la Copa de Oro de Florencia (1975); una medalla, por el Departamento del Distrito Federal (1982), y el galardón Albert Einstein, por el Technion Institute de Israel (1983). Llevó a cabo exposiciones individuales en todo el mundo. Murió el 25 de junio de 1991.

 

El muralismo mexicano

Cuando hablamos de una estética latinoamericana se nos hace difícil atisbar, en medio de ese amasijo cultural que nos impregna, lo que podemos definir como auténticamente latinoamericano. De hecho, nuestras escuelas pictóricas y musicales se han nutrido de las escuelas europeas, como el impresionismo, por no hablar de las escuelas más tradicionales. Sin embargo, la lucha por alcanzar nuestra propia expresión no ha cesado desde que Latinoamérica por primera vez tomó conciencia de su particularidad. Ese es el camino que comenzó en el siglo XIX y que, ya en el siglo XX, alcanzó una fuerza arrebatadora de la mano de los muralistas mexicanos.

Diego Rivera, Día de la Flor, 1925

 


Sin duda, los primeros años del siglo XX fueron años de gran idealismo en todas las áreas de la vida: los valores del progreso ya impregnaban el ambiente, la tecnología comenzaba a desarrollarse con fuerza, nuevos proyectos políticos surgían por doquier y, en el arte, los movimientos de vanguardia rompían con la tradición academicista que supeditó la creatividad a valores inmutables durante algún tiempo. Era el tiempo de la revolución: tecnológica, económica, política y artística. Pero ninguno de estos aspectos lograron desligarse.

Quizá, una de las ideas más determinantes en el desarrollo del siglo XX, especialmente es la construcción de su ideología, fue el impacto del marxismo que ya desde el siglo pasado se había pronunciado y esperaba su momento. La lucha de clases fue su bandera: el proletariado debía alzar su voz frente a los sistemas de dominación y opresión, tomar conciencia de su protagonismo histórico. Y si era el tiempo de la esperanza para el proletariado, o mejor dicho, el Tiempo del proletariado, entonces todo debía reflejar este nuevo tiempo, identificarse con él, incluso el arte, que debía ir de la mano con la construcción revolucionaria. Aunque los teóricos del marxismo poco se ocuparon de la cuestión estética, esto no impidió que se prefiguraran una idea en torno al "deber ser" del arte. Desde este punto de vista, el arte se planteaba como un reflejo de la realidad. Esto se derivó en que el arte se comprendiera como un "medio" propagandístico a favor de la revolución. Se pensaba en un arte "comprometido", solidario e inspirado en la realidad de los individuos, un arte de "realismo social", un arte también capaz de intervenir en esa "realidad" y cuyo destinatario era, por tanto, "la masa".

 

MUSICA

 

CORRIDOS SOBRE 
EMILIANO ZAPATA
Y LOS ZAPATISTAS

1. CORRIDO DE ZAPATA NIÑO

Autor: José Muñoz Cota
Cantan: Pilar Pellicer y Tribu
http://www.bibliotecas.tv/zapata/corridos/corr01.html

2. CORRIDO DE LA LEVA

Autor: I.C.M.
Canta: Pilar Pellicer

3. CORRIDO DEL PLAN 
DE AYALA

Autor: Leonardo Kosta
Canta: Tribu

4. CORRIDO DE 
EMILIANO ZAPATA

Autor: Anónimo
Cantan: Pilar Pellicer y Tribu

5. CORRIDO DE LAS 
HUACHAS

Autor: Anónimo
Cantan: Pilar Pellicer y Tribu

6. NUEVAS "MAÑANITAS" AL 
ESTADO DE MORELOS

TRISTE DESPEDIDA DE EMILIANO ZAPATA

Autor: Eduardo Guerrero
Cantan: Pilar Pellicer y Tribu

Música mexicana en NuevitasEl corrido es considerado una balada o romance narrativo popular que se canta en algunos países hispanoamericanos, especialmente en México, en que ha establecido una de las formas de transmisión más importantes de los sucesos galantes o heroicos de la Revolución Mexicana y ha tenido un impacto significativo, junto a las rancheras en Cuba y de manera especial, entre los que viven en esta ciudad del norte camagüeyano.

A contraste del corrido mexicano, que es la crónica de un acontecimiento determinado, la canción ranchera aborda aspectos sentimentales y románticos con ritmos que en algunos casos guardan rasgos melódicos de la jota y del zapateado español.

Es conocido que desde las primeras décadas del pasado siglo XX en la ciudad se realizaban descargas callejeras con este tipo de música y no pocas veces junto al juego de dominó y el saboreado trago de aguardiente, se apostaba por el lugareño que, guitarra en mano, acompañara a los participantes en la interpretación de algunos de los más populares de estos números.

Narran que apenas fundada la emisora en 1939, los radioescuchas solicitaban algunas de estas piezas que eran de las pocas con que contaba la radiodifusora por entonces, al extremo de tener que repetir varias veces al día algunas de estas creaciones del país azteca.

En la década de los años sesenta del pasado siglo fue creado un espacio en la radio local, denominado “Cantares de México”, destinado a difundir la música del pueblo mexicano, al tiempo que complacía así la solicitud de los oyentes siempre insistentes en el interés de ser satisfechos con esta música. Tal ha sido el arraigo del espacio, que llega hasta nuestros días entre los preferidos de la emisora.

Muy solicitados son los números conocidos como “El Rey” , “La Reyna” , “La cama de piedra”, “La jaula de Oro” y “Las Mañanitas”, que se acompaña generalmente de violines y guitarras interpretado por mariachis y que son tarareados por los nueviteros en reiteradas ocasiones a la sazón de cualquier festividad.

Llegan pues estas melodías del acerbo musical del hermano país mexicano cada mañana a esta ciudad ribereña, difundida por la emisora o la televisión local o sencillamente interpretada por algún nuevitero que acentuando su tesitura hace del canto un verdadero deleite

Géneros de la música tradicional de México

El bolero ranchero es un género musical mexicano. Atribuido su origen al cantante y compositor mexicano Rubén Fuentes nacido en Ciudad Guzmán en el estado mexicano de Jalisco. Es uno de los géneros más populares en México y que han representado a la música mexicana en el mundo.

Entre los cantantes más destacados se encuentran Pedro Infante y Javier Solís. Nacido a mediados del siglo XX aún continúa siendo uno de los géneros más populares en el país. Guitarras, violines y trompetas dan espacio y cuerpo a la canción. Se destacan además por la introducción musical y los interludios en el transcurso de las interpretaciones en combinación con otros instrumentos y por la voz del intérprete.

La chilena es un género musical mexicano de la región de la Costa Chica, zona limítrofe entre los estados mexicanos del sur de Guerrero yOaxaca, aunque su influencia se extiende a otras regiones cercanas del país. Su nombre es precisamente tomado de algunas importantes tradiciones musicales sudamericanas y llegaron por medio de quienes migraban desde Chile y Perú y que pasaban por el puerto deAcapulco, Guerrero; Puerto Ángel, Huatulco y Puerto Minizo, Oaxaca en el auge de la fiebre del oro de California. En Otros estados de la República Mexicana, y en Estados Unidos La chilena llegó a implementarse como un género musical más, esto debido a las migraciones en masa de varios pobladores de las regiones de la costa a las zonas antes mencionadas, durante la época de los 90 y los 80.Esta emparentada, por lo tanto con géneros mexicanos como el son calentano, son de tarima de Tixtla y el son de artesa; además de lacueca chilena, la zamba de Argentina y la zamacueca del Perú.

Mariachi:

  • El mariachi, es un grupo musical conformado generalmente por un número entre 7 a 12 integrantes pero no existe un límite para el máximo. Los instrumentos indispensables son la vihuela, guitarra, guitarrón, violines y trompetas, aunque en ocasiones se le añadenflauta y arpa, y en el extranjero incluso el acordeón.
  • Interpretaban originalmente sones de Jalisco y del occidente de México pero desde la década de 1930 incluyeron en su repertoriorancheras, corridos, huapangos, sones jarochos y valses mexicanos es decir música tradicional y regional mexicana. Posteriormente se adaptó el bolero constituyendo el Bolero Ranchero y en la actualidad interpretan éxitos de cantantes de moda y en ocasiones hasta baladas y cumbias, ya fuera totalmente del contexto musical vernáculo.
  • Los primeros conjuntos de mariachi vistieron atuendos cotidianos de los campesinos de los estados de Colima, Nayarit y Jalisco. Sus atavíos eran hechos de manta de algodón y usaban un sombrero de paja de trigo o de palma. A principios del siglo XX, tal como venían haciendo los integrantes de las orquestas típicas, los mariachis comenzaron a presentarse con el traje de charro, añadiendo colores y ornamentos distintos a los originales del traje charro.
  • Los grupos actuales de mariachi visten generalmente de negro o blanco. De acuerdo al reglamento de la charrería, el traje del Charro (jinete hacendado ó caporal) es de color negro solamente para ceremonias tales como bodas o funerales, pero elcolor blanco no se contempla. Sin embargo, entre mariachis y bailarines se usa cualquier color y combinación así como ornamentos distintos a los usados por los practicantes de la charrería. Estas vestimentas se adornan con calados de gamuza y/ o con botonaduras, que pueden ser de metal troquelado, ya sea fabricado en serie o de manera artesanal, en plata o acero vaciado. Los sombreros de charro y de mariachi son piezas de artesanía exquisita que no tienen parecido con los que se venden en las tiendas de recuerdos para turistas.
  • El cine mexicano de los años cuarenta dio a conocer internacionalmente al mariachi por medio de las películas protagonizadas por Tito Guízar que fueron las primeras en mostrarse con éxito en Estados Unidos y por Jorge Negrete en América Latina y Europa. El Mariachi era un elemento imprescindible en las películas protragonizadas por Miguel Aceves Mejía,Pedro Infante y Luis Aguilar, entre otros, que gozaron de gran aceptación en América Latina y en otras regiones del mundo.
  • Los primeros mariachis femeniles aparecieron en la Ciudad de México a mediados del siglo XX, actualmente se conocen diversas agrupaciones de Mariachi Femenil.
  • En el Distrito Federal la Plaza de Garibaldi, ubicada en el centro histórico, es por antonomasia es el foro más importante de mariachis en la Ciudad de México. Allí se puede contratar a grupos que tocan piezas por un monto económico.
  • En la ciudad de Guadalajara, capital del Estado donde surgió el mariachi, cada año tiene lugar el Encuentro Internacional del Mariachi y la Charrería, este evento está dividido en dos aspectos: a) el deportivo, con encuentros y competiciones de charros y b) el musical con conciertos y presentaciones de grupos de mariachis. Cada año, llegan conjuntos de mariachi de países como Serbia, Finlandia, Colombia, España y Japón, además de los que se presentan agrupaciones de toda América Latina. Además de concursos y conciertos, se imparten talleres y clínicas que han ayudado a los grupos fuera de México a mejorar su vestimenta y sobre todo su estilo y técnica interpretativa.

La marimba tradicional mexicana proviene de instrumentos que introdujeron los esclavos negros en la época de la conquista. En esencia, difiere un poco de la marimba de concierto en la afinación, que en general no es tan precisa; además de que el aspecto exterior es ornamentado con madera solamente y los resonadores que terminan en forma de prisma, tienen un pedazo de caucho que vibra cuando se percuten las teclas. Su tesitura y dimensión es muy variable.

La música de marimba es la música interpretada ya sea por una, dos o más personas (un ejecutante en el área de sonidos graves o bajos) o por una orquesta de marimbas, a la que se agrega bajo eléctrico o contrabajo, batería y un instrumento de aliento. Su repertorio tradicional es de sones y canciones del sureste, además de otras formas musicales típicas del país.